人的記憶力會隨著歲月的流逝而衰退,寫作可以彌補記憶的不足,將曾經的人生經歷和感悟記錄下來,也便于保存一份美好的回憶。范文書寫有哪些要求呢?我們怎樣才能寫好一篇范文呢?接下來小編就給大家介紹一下優秀的范文該怎么寫,我們一起來看一看吧。
美術鑒賞說課稿篇一
通過教學,使學生了解審美觀念形式法則的產生和一般規律,以及美術作品的基本含義;培養用審美的眼光去對待美術作品乃至日常生活中各種物品的意識。
重點:美的觀念和形式法則是如何產生的?
美術作品的基本內涵是什么?
難點:如何從生活中去發現美?結合實例明確如何鑒賞美術作品(重要意義)。
教材內容主要包括三個層面:
1、審美觀念是如何形成的。
2、美術作品的基本含義。
3、美術鑒賞的重要意義。
本課教學主要鼓勵學生參與形式美評判的活動中,感受形式美的法則,從形式美的法則入手,提高鑒賞美術作品的能力。(本ppt的內容較多,教師可以根據自己的想法加以調整、刪除)
一課時
影視(溫州嫁具)導入揭題—第一課什么是美術作品
審美觀念是如何形成的?
"美"并不是憑空產生的,源于生活實踐;
"美’的觀念與形式法則是長期的歷史積淀的結果
彩陶鯢魚紋瓶、永、羊(羊大為美)
美術作品的基本含義什么叫美術
什么叫美術
身邊的美術,
提問學生什么是美?什么是美術作品?
②美術的特點:與音樂文學相比較
中國古代手藝、工藝、六藝:禮、樂、射、御、書、數
③、美術的性質
精神產物具有獨創性意識形態形式與形式美
美術作品的形式美
意識形態形式與形式美
①形式與內容關系:內容存在與形式,是內涵,形式是內容物質化體現,是外觀。形式應準確而鮮明地表達內容。形式有獨立審美意味。
②形式美是指藝術語言的合規律與合目的組合,也就是符合美的與符合審美需要目的'的作品。外部形式結構。
馬克思說:"有懂音樂的耳朵,能感受形式美的眼睛。"
a、形式美法則
①多樣與統一
美術作品個別形象,形式要素、語言多樣化、豐富作品的藝術形象,但必須高度統一,構成二種有機整體的形式。
例如:太極圖、最后的晚餐、米洛斯維納斯。
②對立與和諧
對立:使一些可比成分特征更加明顯,更加強烈。
和諧:各個部分或因素之間相互協調。
例:黑白?
③比例與尺度
比例包括數學的秩序,尺度是標準規范,包含體現事物的本質特征和美的規律。(黃金比例1:1.618,1:0.618)
例:帕特農神廟、薩平婦女
④對稱與均衡
對稱就是指整體的多部分依實際或假想。對稱軸或對稱點,兩側形成等形、等量的對立關系,它具有穩定和統一的美感。
均衡是從運動規律中升華出來的美的形式法則。
例:邊防軍
⑤節奏與韻律
節奏:原指的天黑夜有秩序出現,有條理反復,交替或排列
韻律:動勢、氣韻、有秩序、近似對比因素、交替重復
例:巴黎圣母院、西斯庭圣母
實戰演習:(多幅圖片)學生選擇評判
美術鑒賞的意義
a、為什么要提高審美能力、學會鑒賞。
馬克思說過"如果愿意欣賞藝術,你必須是一個有藝術修養的人"
①是不可缺少的現代人文結構、美是人們長期積累形成的,也是藝術家長期探索形成的規律。
中國的四大美女、羅丹雕塑的羅米哀爾、委拉斯開支作品《宮女》的侏儒、等。
從實用物品向美術作品的轉換
要求學生說說身邊的生活用品。美術作品有的實用退化,審美凸顯。(玉文化,木版年畫,月份牌年畫等)
情趣高尚,抵御格調低下,提高精神污染免疫力。
討論和思考:
講一講身邊事物的美
美——在我們生活中無處不在,人們在長期的生產、生活中非常注重營造美的環境,所以我們要學會去認識這些美好的事物,才能更好地生活;我們要學會鑒賞美術作品,提高審美能力。
美術鑒賞說課稿篇二
班級:11經管(4)班
姓名: 學號: 指導老師:
寫作時間:2013年6月6
日
摘要:中國畫國畫在內容和藝術創作上,反映了中華民族的民族意識和審美情趣,體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。國畫強調“外師造化,中得心源”,融化物我,創制意境,要求“意存筆先,畫盡意在”,達到以形寫神,形神兼備,氣韻生動。由于書畫同源,兩者在達意抒情上都強調骨法用筆、因此繪畫同書法、篆刻相互影響,相互促進。
關鍵字:國畫
山水畫
一個學期的美術欣賞課結束了,我受益良多。雖然不能說是精通,但是至少還是懂得了一些。美術鑒賞的最終意義,就在于使大學生的情感得到陶冶,思想得到凈化,品格得到完善,從而使身心得到和諧發展,精神境界得到升華,自身得到美化。這篇論文我就圍繞“中國畫”談談我的認識。
中國畫是中國傳統繪畫的主要種類。從美術史的角度講,民國以前的國畫我們都統稱為古畫。在古代,一般稱之為丹青,主要指的是畫在絹、宣紙、帛上并加以裝裱的卷軸畫。近現代以來簡稱“國畫”。它是用中國所獨有的毛筆、水墨和顏料,依照長期形成的表現形式及藝術法則而創作出的繪畫。中國畫按其使用材料和表現方法,又可細分為水墨畫、重彩、淺絳、工筆、寫意、白描等;按其題材又有人物畫、山水畫、花鳥畫等。中國畫的畫幅形式較為多樣。中國畫在思想內容和藝術創作上,反映了中華民族的社會意識和審美情趣,集中體現了中國人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。
中國畫歷史悠久,兩漢和魏晉南北朝時期,社會由穩定統一到分裂的急劇變化,使這時的繪畫形成以宗教繪畫為主的局面,描繪本土歷史人物,山水畫、花鳥畫亦在此時萌芽。隋唐時期社會經濟、文化高度繁榮,繪畫也隨之呈現出全面繁榮的局面。山水畫、花鳥畫已發展成熟,宗教畫達到了頂峰,并出現了世俗化傾向;人物畫以表現貴族生活為主,并出現了具有時代特征的人物造型。五代兩宋又進一步成熟和更加繁榮,人物畫已轉入描繪世俗生活,宗教畫漸趨衰退,山水畫、花鳥畫躍居畫壇主流。而文人畫的出現及其在后世的發展,極大地豐富了中國畫的創作觀念和表現方法。元、明、清三代水墨山水和寫意花鳥得到突出發展,文人畫成為中國畫的主流,但其末流則走向因襲模仿,距離時代和生活愈去愈遠。
以山水畫為例,我們來了解下中國畫的產生,發展及其內在精神。山水畫萌芽于晉朝,顧凱之在《魏晉勝流畫贊》中第一句就是“凡畫,人最難,次山水,次狗馬”山水畫已成為一個主要表現題材,我覺得人對人自己認識太深才覺得每幅畫人的言態表現得不盡人意,山水可夸大其氣勢表達出其意境即可,狗馬只須表達出其形而已從顧凱之僅有的山水畫《洛神賦圖》中可以窺見當時山水畫初期形態的端倪,基本上如唐代張彥遠在《歷代名畫記》中的所記載的樣子,傳本〈洛神賦圖〉中的山水部分,確實如其所言“群峰之勢,若細飾犀拮”,或“水不容泛,人大于山”無論是山水還是樹石,都表現為高度的概括化,比如樹的表現,銀杏樹僅象征性地以三五片銀杏葉概括,樹枝的“列植之狀”也是“若神臂布指,離現實生活中真實的印行樹有很大距離,正如前邊所論“凡畫,人最難,次山水,次狗馬”。山石僅以“高古游絲”線條勾勒,而沒有皴法,但我認為,水法和云法的表現是極為純熟的,水云的流態動勢相當完美,由此可見,山水畫的表現在當時已達到的藝術水準只是沒有后來的布局合理罷了。
初期的山水畫往往是人物活動的背景,配景,即使獨立為一個專門畫種也是需要一個發展過程的,山水畫初期的這種形態是不足為奇的,雖然我們現在已不能得睹六朝時期的山水畫作品而且見于史料的早期山水畫家也不是很多,顧凱之,宗炳,王微等人關于山水畫論的發展為當世山水畫的發展和成熟作了理論上的準備歷隋唐,五代諸朝,山水畫漸盛。他們可謂山水畫的先驅,六朝時期是中國山水畫的真正起點,雖說是中國歷史上政治最黑暗的時期,卻導致了美學上的最燦爛,我認為這應該歸功于當時不忍心目睹石灰的琴棋書畫的隱士,且當時類似于陶哦淵明,謝靈運的隱逸思想普遍流行,此時人們對自然美有了更深的認識更促進中國山水畫的發展,謝靈運《山居賦》中所記載的始寧山就是典型的例證,他的山水詩開拓了山水詩寫實的審美之路,王維的“詩中有畫,畫中有詩”也正說明了中國山水畫的發展也益于詩的發展和衍生。
山水畫在六朝時期興起的另外一個重要原因是藝術家自身的發展。汗以前的藝術家往往以工匠身份出現他們都依靠繪畫的手藝謀生,繪畫是功利的,必須圍繞服務對象的要求進行創作,但也不同程度促進山水畫的發展。
說山水畫的內在精神,中國山水畫十分強調作者的主觀因素,在山水畫創作中,作者對自然界的認識理解,以及作者的情感流露是起著主導作用的,畫家應當“以情入畫”力求“情景交融”,正如在一幅山水畫上題一首詩或多一個紅戳更能增加山水畫的內在精神和蘊涵,在對客體世界有一個多側面深層次認識的基礎上憑借心靈感受概括勾畫出山水形象,者便是“遷想妙得”許多優秀的山水作品所顯露出來的氣質和高雅的格調,并不僅僅是因為作者具有深厚的筆墨功力,更重要的是作者具有飽滿的創作激情和高深的文學修養。因此山水畫家的學識越高,創作后勁也就越大。唐代山水家的學識越高,創作后勁也就越大,如“外師造化,中得心源”,“搜盡奇峰打草稿”均提倡到生活中去,到實踐中去。
欣賞中國山水畫我覺得應該首先了解中國山水畫的內在精神,中國山水畫是中華民族藝術知會的寶貴結晶,是燦爛的中華文化的一個重要組成部分,在它自身發展的過程中,逐步地形成了一個完整的獨立的藝術體系,所以民族性是中國山水畫最顯著的特征之一,中國山水畫體現了中國人特有的審美情趣,即簡練,恬靜,含蓄和韻律等。
其實山水畫從一開始就與其它的道家,佛家,儒家有關,佛家的禪宗對中國山水畫的創作影響也是值得討論的,它沒有連續性和次序性,認定在精神上能夠出現自發性的領悟,這種領悟實際上是對人世解憂的解脫和心理障礙的排除,而這些又恰恰是中國山水畫家們孜孜以求的。
佛家是對中國文化影響最大的思想體系,孔子最早提出“仁者樂山,智者樂水”,是以道德價值來評價山水,但是這種對大自然的審美追求,客觀上已超出了道德的范疇,其中的中和之美構成了中國傳統山水畫感情含蓄,氣息平和的總體風格。
儒佛道的自然觀影響于山水畫共同點有三個:一是取法自然,用于自然的統一,二是靜態與動態的統一,三是客觀世界與主觀世界的統一。中國山水畫深刻的思想內涵是與中國古典哲學有著直接的因果關系。繪畫不能沒有哲學思考,沒有哲學思考的繪畫是沒有靈魂的繪畫。
作山水畫須先胸有丘壑。“意在筆先”是中國畫構圖的特點,落筆后應意到筆隨。我們不能忽視道家這里的深遠影響,傳統中國畫家長期藝術實踐中都自覺和不自覺地受到潛移默化的熏陶。作畫在落筆時就應考慮各種陰陽關系,加以對比此和諧的處理,如方圓,橫直,點線,剛柔,濃淡,冷暖,輕重,虛實等等。山本靜,水流則動;石本頑,樹活則靈”正所謂山水之靜動,頑與靈,均是大自然中存在的各種陰陽節奏關系,作為山水畫家如果不自覺到自覺地運用這些關系,筆下可如神助。
接下來,再談談中國畫的藝術特點吧。
一、形與象通,意與形合。形與象通,意與形合是中國畫造型的基本要求。形,指外形、輪廓,是中國畫傳神達意的主要要素。象,指自然客觀存在的萬物形象或作畫者在繪畫作品中創造的藝術形象,即作畫者追求神似而不追求形似,是概括化、藝術化的形。形、輪廓是中國畫造型不可缺少的主要依據,師法自然中的形,經過作畫者思想的提煉和加工,創造“似與不似”之藝術的“形象”,形與象;意,指繪畫作品的思想內容、作畫者的構思設想和創作意圖。它具有三方面的意義:(1)、作畫者主觀的意,即繪畫的立意(2)、畫面形象所體現的意。(3)、繪畫對象的意。作畫者的立意是主觀的,繪畫對象 的意是客觀的,畫面形象的意是作畫者師法自然,熔鑄丹青,抒寫胸臆的藝術結晶,這種意是建立在形的基礎之上的,遺物象而取意取神,但舍形不能求意。中國繪畫的藝術形式美是為了表現“神似”,這“神”是一種意,即作畫者對物象本質的認識、審美的感受。
二、境與性會,因心造境。意境是中國傳統美學的范疇,是自我與自然自然的高度融合。境,是畫面中有情趣的自然景象。性,是作畫者的性情、興趣喜好、習性。境與性會是指畫境要與作畫者的性情合一,達到情境交融的地步,意即客觀的自然景物與作畫者的性情有機地結合起來,有如水乳交融,渾然一體,興會神交;因心造境是作畫者按自己的理想所描繪出的生活圖景,這個圖景是現實生活中所沒有、或少有的,是作畫者虛擬出來的虛幻飄渺的藝術境界,是作畫者“心造”之境。
三、心師造化。心師造化是中國畫創作的生活源泉,指作畫者用心靈去師法和感悟客觀事物的內在精神風采,獲得藝術素材,并依自己的審美判斷,進行分析研究,在自己的思想情感的熔爐中加工改造。心師造化是以自然為師,通過“目識心記”或是寫生自然物象,概括提煉物象的基本特征,按一定的構圖規律重新組合物象,創造一種有意味的意境。心師造化的藝術特點是中國畫創作必須要遵循的準則。
四、以詩入畫。以詩入畫是中國畫意境的追求,自唐代王維在畫中把這兩方面有機地結合起來以后,北宋的蘇軾極力的推崇王維“味摩詰之詩,詩中有畫;觀摩詰之畫,畫中有詩。”認為王維創造了一種他人所不能及的意境。同時提出“詩畫本一律,天工與清新(北宋·蘇軾)”的藝術觀點。宋代畫院還以詩意畫作為招畫院畫師的考題,形成了以詩入畫的風氣。后世的畫家,特別是山水、花鳥畫家都自覺地把詩意融入畫中。“詩中有畫,畫中有詩”成為品評中國畫的一個重要的標準,還以畫中是否具有富于詩意的意境,作為評價中國畫雅與俗、優與劣的文野之分。畫中詩意的創造,含蓄而耐人尋味,其獨特韻味是中國畫所獨有的。
五、中國畫的藝術表現語言是點、線、面的組合。點、線、面是中國畫最基本的表現語言,以線為主,點、面為輔,以線造型,以線傳情。線作為中國畫表現的載體,其特定的表現手段在原始的崖畫中就已經有了。它除了作為造型手段之外,它還帶有人的主觀感情因素,性格化的線條中包含著作畫者們的審美情感、學識修養以及對世態的觀點和看法。自然之中,沒有純粹的點、線、面,是作畫者們經過主觀的抽取、概括后融入情思而來的,點、線、面是抽象化的外在表現形式,通過三者的有機組合創造一種和諧、舒適、美好的畫面意境。
美術鑒賞說課稿篇三
要討論藝術與美的關系,首先需要分別討論什么是藝術,什么是美。
藝術具有社會本質、認識本質和審美本質。藝術是一種社會意識形態,是經濟基礎的上層建筑。藝術這種社會事物是一種相對于物質關系的社會意識形態;是建立在一定經濟基礎之上,并從根本上說是為經濟基礎所決定的上層建筑,它反映經濟基礎,也反作用于經濟基礎。藝術是一種特殊的社會意識形態。藝術以特有的方式“掌握”世界,藝術是對世界的一種認識,康德就曾把藝術看作是一種天才的表現。另外,席勒和斯賓塞等人認為藝術是游戲的產物,來自過剩的精力而不帶功利性。近年來,我國理論界不斷有人重復列夫·托爾斯泰和克萊夫·貝爾等西方理論家的說法,藝術不是認識或主要不是認識,是情感的傳達和心理功能的表現;或認為藝術就是單獨的形式構成等。
對于美是什么的探討,中國與西方的觀點是不同的。在西方,美學研究的歷史是源遠流長的。西方美學史上對美的本質的探討已有兩千多年的歷史了。但歸納起來,不外乎這樣兩種意見:一種是從精神世界去探討美的本質,把美本質最終歸結為絕對理念、絕對精神,或主觀意識、審美感受,從哲學的根本問題上顛倒了物質與意識的關系,這條途徑,顯然是唯心主義的。另一種是從客觀世界的自然事物出發探索美的本質,把美本質最終歸結為自然事物本身的某種感情特征和屬性。這一思維路線肯定美在生活或美在客觀事物本身,有其正確的一面,但由于它們一般都離開了人的社會存在,不懂得社會生活的本質是實踐的,不能從主客體在實踐中的辯證關系來探討美的本質,帶有明顯的直觀的缺陷,這條途徑是形而上學唯物主義的,即機械唯物主義或舊唯物主義的。
中國的美學思想同樣是源源流長的。在中國歷史上,不但許多哲學家的著作中都有美學思想,而且在歷史歷代著名的詩人、畫家、戲劇家、音樂家、書法家??所留下的詩文理論、繪畫理論、戲劇理論、音樂理論、書法理論中,也包含著豐富的美學思想,往往還是美學思想史中的精華部分。但中國與西方美學史關于本質的探討有很大的不同。首先表現在,歷史美學史在探討美本質時,直接與世界觀聯系起來;而中國則與世界觀的聯系不那么直接和緊密。其次,中國美學史上許多美學范疇,如氣韻、風骨、妙悟、神韻、境界等等,是西方美學史上聞所未聞的。這些美學范疇雖然有許多辯證法思想,豐富了對美本質的研究,但由于個人的解釋不同,顯得比較零碎、雜亂,不如西方的某些美學專著寫得系統、明晰。
由此可見,不是每件藝術作品看起來都美,但每件藝術作品都具有藝術美。藝術美指的是藝術作品的美,是由創作主體的審美認識而產生、“按照美的規律”并為著美的目的而創造的事物的美。讓我們學會去欣賞藝術作品的藝術美,而不是只從表面觀看其是美還是丑。
美術鑒賞說課稿篇四
我說課的內容是人美版高中課程標準實驗教科書——美術鑒賞第1課《培養審美的眼睛》。我主要從教材分析、教法運用、學法指導、教學手段和教學過程五個方面加以闡述。
一、 教材分析
(一)教學目標
本課作為高中整個美術鑒賞教學的開篇,對后面的教學具有指導意義。通過本課的教學,使學生初步了解什么是美術鑒賞,美術鑒賞的一般過程和特征,以及學習美術鑒賞的意義,由此掌握美術鑒賞的方法,培養學生“審美的眼睛”。
(二)重點:培養學生送審美的眼睛,讓學生掌握美術鑒賞的一般方法,認識美術鑒賞對于個人未來人生發展的重要價值和意義。
(三)難點:如何結合實例講清美術的主要分類方法、美術鑒賞的概念和美術鑒賞一般過程或方法。
(四)內容結構:本課主要分四個部分,第一部分提出學習美術鑒賞的必要性,第二部分說明什么是美術鑒賞,第三部分為美術作品的分門別類,第四部分是美術鑒賞的意義。
二、教法:
本課涉及的新知識主要以基本概念為主,所以我采用了講授法、對于相關的作品采用演示法。
三、學法:
記錄、觀察、理解、記憶
四、教學手段:
多媒體課件
五、教學過程:
1 、導入: 隨著社會的進步和經濟的發展,人們在滿足了物質生活的需要之后,對精神生活的要求也越來越高。當我們面對數量眾多,風格各異的美術作品時,如何來辨別作品的好壞,如何認識和理解藝術家的表現方法,作品的意義,對作品的價值的判斷以及會從內心產生喜歡或厭惡等的情緒反應。所有這些疑問的產生,都涉及到了美術的鑒賞問題。
學生活動:帶著問題觀察展示的作品,踴躍的回答問題。
教師點評:大家對美術作品的這些疑問或者觀點,都涉及到了美術鑒賞的問題。 那么什么是美術鑒賞,美術作品是怎樣分類的以及學習美術鑒賞的意義是什么? 下面我們就來學習。
2、什么是美術鑒賞?
基本內容:先從對天安門廣場的感受和對天安門的審美認知中,說明鑒賞并不神秘,而是與我們的生活息息相關。然后從具體的美術作品入手,以張萱的中國畫《搗練圖》和法國畫家米勒的油畫《拾穗者》,來介紹美術鑒賞的一般過程和方法,闡明什么是美術鑒賞及其對象、過程、目的和本質特征等。
通過對徐悲鴻的《奔馬》和梁楷的《太白行吟圖》以及吳冠中的《根扎南國》三幅國畫的欣賞以及對各自相關知識的查證,得出他們的內涵是不同的。所以美術鑒賞是被動接受與主動參與的綜合的審美活動。
美術作品的直觀和相關知識是美術鑒賞的基礎,這就要求鑒賞者必須首先具備美術的基本知識,識別美術的基本類型和一般表現方法,然后才能進行實質的鑒賞活動。
那么美術作品有哪些類型呢?這就涉及到了美術作品是如何分門別類的問題。
(3)、根據學生的回答,總結有關理論和觀點。
學生活動:欣賞圖片,探究問題,回答提問。
(設計理由:1、在欣賞圖片中,逐步訓練學生區分不同美術形式的能力,2、培養學生勤勞善良的美好情感)
3、美術作品是如何分門別類的?
總體而言,美術作品都被歸為空間藝術的范疇,在這下面,美術根據其藝術門類劃分為:繪畫、雕塑、建筑、設計、書法、攝影。在此基礎上,還可以按照其材料、功能、題材和內容等分別作更細致的劃分。依照美術作品在形式語言上的不同特征劃分出了以寫實性客觀再現為主的“具象藝術”,以寫意性主觀表現為主的“意象藝術”和以藝術語言的本體性表現為主的“抽象藝術”。
在此基礎上,還可以按照其材料、功能、題材和內容等分別作更細致的劃分。
依照美術作品在形式語言上的不同特征劃分出了以寫實性客觀再現為主的“具象藝術”,以寫意性主觀表現為主的“意象藝術”和以藝術語言的本體性表現為主的“抽象藝術”。
教師活動:(1)根據以上分類,分別展示課本相關圖片,
提出問題:a、各個圖片分別代表哪種藝術門類?(老師給予引導。)
b、你還發現你生活中還有那些美術作品,它們屬于以上那種藝術門類?
學生活動:欣賞圖片、勤于思考、勇于回答問題。
4、美術鑒賞的意義
教育功能:美術作品的題材所表現出來的內容和主題對觀眾形成的思想和道德上的感染與影響,以培養人們在對待自然、社會、人生、他人以及自我判斷上的積極的觀念與熱情,具體而言就是熱愛祖國、熱愛生命、銳意進取。
審美功能:培養人們對美的事物、美的形式的辨別力、敏感力和感受力
學生活動:帶著問題思考并回答問題
5、總結回顧:
這節課,我們學習了美術美術鑒賞的概念、美術作品是如何分門別類的以及美術鑒賞的意義等,使我們從宏觀上認識了美術以及美術鑒賞的基本知識,為我們今后進一步學習相關的知識打下了基礎。
6、板書設計:
一、什么是美術鑒賞 ?
就是運用我們的視覺感知、視覺經驗和相關知識對美術作品進行歸類、分析、判斷、體驗、聯想和評價,從而獲得審美享受,它是一個綜合的審美活動。
二、美術作品是如何分門別類的?
繪畫、雕塑、建筑、設計、書法、攝影
三、美術鑒賞的意義?
美術鑒賞說課稿篇五
各位評委老師下午好,我今天說課題是《美術家是如何進行表達的?》。下面我將從說教材,說目標,說教法和學法,說教學過程,設計板書等五個方面來闡述說明我的教學構思和設計。
《美術家是如何進行表達的?》這一課選自人教版,該課主要是圍繞一、什么是美術作品的藝術語言?二、美術家是如何運用藝術語言的?這兩個知識點進行講述的。
本課的目的是讓學生對美術作品的語言有一個簡單而完整的了解,這是開始進入美術鑒賞的基礎,在這個基礎上再進一步認識不同類型的美術作品在使用美術的語言上有著不同的方式,美術作品由此呈現出千變萬化的形式特征和審美意韻。
本課主要分為三個部分
第一部分以中國古代畫家吳道子和李思訓為例,說明美術家在美術語言的運用上是有差異的。
第二部分“什么是美術作品的藝術語言”,首先從三件具體的美術作品—五代畫家顧閎中的工筆重影彩人物畫《韓熙載夜宴圖》宋代畫家梁楷的始直接的語言辨析,然后進入概念和知識的解釋。說明什么是美術語言,美術語言所包含的內容以及三種基本的美術語言形態。
第三部分“美術家是如何運用藝術語言的”,著重對具象藝術,意想藝術和抽象藝術進行具體的辨析,以使學生對這三種基本的美術語言形態有一個初步的了解和認識。
美術作品的藝術語言的概念、內容、形態分類
美術語言既是具體的、可分類的,又是包含在整體美術作品之中的,學生理解會有很大得難度,因此,必須結合具體的美術作品并調動學生既往的美術知識來認識和理解。
(一)什么是美術作品的藝術語言?
1.美術作品的藝術語言的概念:美術所專美使用的,具有視覺傳達功能的形象和形式就是美術作品的藝術語言,其特征就是具體性和形象性。
教師活動:大屏幕展示美術語言的概念
學生活動:了解美術語言的相關概念
2.美術語言的內容:基本語言元素(點、線、面、色)
教師活動:展示中國工筆重彩人物畫《韓熙載視宴圖》,中國寫意人物畫《潑墨仙人圖》及油畫《1945》三幅表現形式不同的繪畫作品。
提問:分析三件作品在形象塑造上運用了那些類型的藝術語言形式
學生活動:欣賞繪畫作品,并用一分鐘的時間思考討論我所提出的問題。
3.美術語言的形態分類:具象藝術、意象藝術和抽象藝術
教師活動:再次展示中國工筆畫《韓熙載夜宴圖》、中國寫意畫《潑墨仙人圖》及油畫《1954》三幅表現形式不同的繪畫作品。
提出問題:從作品寫實的程度的角度去對比分析三件繪形式上的差異。學生活動:然后讓學生欣賞作品并思考老師提出的問題。
(二)在美術作品中,藝術家是如何運用藝術語言的
1.具象藝術:目的在于真實的再現現實
教師活動:展示顧閎中的《韓熙載視宴圖》,并以一幅工筆花卉為例演示某繪畫技法。
提問:結合工筆畫的繪畫技法,總結《韓熙載夜宴圖》是如何運用藝術語言的。
學生活動:
a結合圖示分析工筆畫的繪畫技法
b根據工筆畫的技法,總結出《韓熙載視宴圖》運用了線條勾勒、隨類賦彩的語言表現方式。
2.意象藝術:不以純客觀再現為目的,而是重在表達藝術家主觀的精神世界,其中包括藝術家的感受,情感,觀念和審美理想等,為此藝術家常常采用變形,夸張,重組等語言表現手段。
提問:觀察分析以上作品中分別采取了什么樣得語言表現手段。
3.抽象藝術:主要是在20世紀才開始逐步形成的一種用美術的基本語言元素和語言手段進行獨立創作的美術類型。
教師活動:展示作品荷蘭畫家蒙德里安的《紅黑藍構成》
美術鑒賞說課稿篇六
美術鑒賞即是對美術作品進行評價和欣賞,實際上是一種審美活動,它是鑒賞者用自己的感知能力、情感、審美經驗和知識修養,對美術作品進行感受、體驗、理解和評價,從而獲得審美享受和藝術知識,提高審美能力、陶冶情操的過程。它也是鑒賞者面對足以引起審美情感的作品,二者相互作用而產生的一種心物感應、物我交融的復雜心理過程。
通過對美術作品的鑒賞不僅可以學到美育知識,更可以培養創造美的能力。對我們的性格,感情,認識,人生觀,思想觀等都有非常重要的意義,可以培養我們的積極性、主動性,使藝術素養、人文修養得到提高。我們在欣賞這些美術作品的過程中會被其中真實而生動的形象所打動,喚起我們優美崇高的思想感情。在這種潛移默化的過程中,我們會得到心靈的凈化,情感的陶冶,在不知不覺中接受了健康向上的精神品質和道德情操,從而改善人的情感狀態,影響人行為。同時也得到視覺的愉悅和享受,擴大我們的知識領域,開闊了我們的視野。
對《向日葵》的鑒賞
《向日葵》作者凡·高是法國后印象主義畫家,其被作于1888年,這幅當年只能賣到400法郎的作品,1987年在倫敦克里斯蒂拍賣行卻以創紀錄的價格3990萬美元被日本的一家企業買走,引起了世界的轟動。既然世界都在推崇凡·高的作品,說明他的作品具有很高的藝術價值,欣賞這樣的作品,一定會給我們帶來美的享受。
《向日葵》給我們最強的感受是色彩對感官的刺激,整個畫面充滿著強烈的黃色運動,花、罐子、背景甚至桌面都由鮮明的黃色組成。黃色是飽和度最高的色彩,它表示陽光、智慧、成熟、神圣、激情。在這幅畫中,凡·高用黃色表現對生命的渴望和對崇高理想的追求。畫中的另一個主要顏色是綠色。綠色表示生命、青春、希望、晦暗。作品中的綠色在黃色的強烈對比下,顯得脆弱和幼稚,象征著人類精神軟弱的一面。黑色是黃色的對立面,作品中的黑色具有雙重性:一種表現罪惡、悲傷、命運,一種表現堅強、反抗、現實。畫中的藍色,則表現了畫家對自己、對社會的懷疑和失望。其次,我們分析一下構圖。《向日葵》的構圖屬于“對稱式”和“放射式”的組合樣式,它具有莊重和擴散的作用和力量。畫中物體擴展至邊框,將背景分割,是典型的現代繪畫手法,其用意是將畫中的力量向外輻射,使作品更富有力度,更加感染觀賞者。
再次,我們分析畫面的造型和結構。畫中有兩種形式的葵花組成,一種是飽滿的圓形,朝向一致,由直線連接,相互重疊或隔開形成了一種有規則的節奏變化,它與罐子的對稱和桌子的水平線構成了畫面的穩定成分;另一種帶角形葉邊的葵花,朝向不一,相互分離,并由斜線和曲線連接,構成了畫面不穩定的因素。葵花的兩種形態的強烈對比,使畫面產生了巨大的張力。凡·高的《向日葵》充滿整個畫面的。大地、陽光、赤金,象征著理想、圣潔、奮發向上。被兩組相互對立、相互聯系的,象征著宇宙自然運動、人類自身矛盾的葵花所吸引。被代表著正義、善良的成熟葵花,戰勝了代表邪惡、反動的未成熟葵花所鼓舞。我們被能在如此有限的空間中,把整個人類的理想和現實表達得如此完美深深打動。不僅如此,每一次重新欣賞它,都能發現新的含義,享受到新的審美愉悅。這就是《向日葵》被世界人民所愛戴的原因。