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學油畫心得與技巧（精選21篇）篇一
得知這學期要上油畫課以后，心情不免有些郁悶。因為它對于我來說是那么的陌生。在此之前從未接觸過油畫。我曾欣賞過無數中外優秀的油畫作品，陶醉于畫家筆下那靈動的線條，豐富的情感和栩栩如生的色彩，但通過這次自身的油畫課實踐，終于明白了任何優秀的作品都源于畫家對生活的熱愛和追求，對藝術領域的積極投入。任何優秀的作品并非一朝一夕的歷煉，它源于畫家畢生心血的投入。所以說，任何成功并非偶然。通過這次的兩次模特寫生和一次臨摹，讓我從不會畫油畫，到會畫一點油畫，比想象中要簡單一點。在此之前一直都沒有接觸過油畫，認為油畫很難畫，不知道從哪里下手。但畫了一幅再到第二幅的時候，慢慢的就得心應手了，就覺得油畫充滿了情趣。它體現了我們做事的態度。在繪畫的過程中，不僅要仔細觀察人物的外部特征，同時要準確地捕捉人物的內心世界，把握人物的喜怒哀樂，并通過造型和色彩將其生動地表現出來。
中有神，神中有形，神形兼具是畫人物畫的關鍵。畫最后一幅畫的時候，繪畫有了感覺，因為是臨摹，所以激起了我很大的興趣，首先從選材上再到上色的時候也是比前面的畫更游刃有余。通過臨摹，我學到了優秀作品中色彩的運用，畫中的色彩統一而不單調，人物生動而富有內心獨白。經過一番練習，驚奇的發現畫油畫蠻有趣的。看著自己認真畫出來的作品，心中充滿了對藝術的熱愛。
作者：美術高考?教學來源：互聯網點擊數：1780更新時間：2012-5-31油畫它的概念很容易界定，那就是必須用油彩涂在布上或紙上或板上或是其他物品上成圖畫的一種繪畫形式。它的最大特點就是必須用油畫顏料。概念雖然容易界定，它的方式卻是五花八門的。我們談的是寫實油畫，古典寫實也好，新寫實油風也好，照相寫實主義也罷，有明確的寫實手段呈現意圖的觀念藝術也行，總之，它們在技巧上都有寫實功夫這么一個基礎。
油畫沒有標準，好的就是壞的，壞的就是好的，這是中國油畫家的幸運嗎？算是吧！生存在這個時代，我個人認為無論是觀念如何更新，油畫總還有“技術”一說。我喜歡高超技術下所體現的現代觀念，也喜歡高超技術下的古典觀念。也就是說，它應當首先是好的，好的東西我想永遠會是好的。畫家可以在畫中創造另一個天地，要如何去畫，就如何去畫，有時要表現現實，有時也不能太顧到現實，這種取舍，全憑自己的思想。畫一件東西，不應當要求太像，也不應故意求不想。求它像，當然不如攝影，如果它不像，那又何必畫它呢？所以一定要在像與不像之間，得到物的天趣，才算是藝術。
作畫要明白物理，體會物情，觀察物態，這才算是到了微妙的境界。由理生情，由情生態，由態傳情，這是自然的道理。可以感覺到身邊的東西是可以去觸摸的，手伸出去以后，卻發現它是“無限的”。什么叫“無限”，無限就是你掀開眼前的樹枝看到前面有山，再往前走有羊，有更多的樹，有鳥，穿過樹林有條河。河邊有草。。。全部都是細節，這才是無限，繪畫的無限。
有人以為畫油畫很難，有說要生來有繪畫的天賦，才能畫好。魯迅先生曾說“即使天才，在生下來的時候的第一聲啼哭，也和平常的兒童一樣，決不會是一首好詩”。學習油畫要從最基本的著手，也就是基礎。首先是素描，畫素描絕不單純是打輪廓，素描不僅由線條所組成，它還是具有表現力，有內在的形，有畫的全局，是藝術的雛形。我知道在素描之后將產生什么東西，它本身包含著全畫的四分之三強。阿佩列斯說：“不要虛度哪怕是一天連一根線條也畫不出的日子”。他已經說的這樣肯定，在研究描繪對象時，首先必須注意整體，向整體要答案。其次，色彩尤其是水粉，我們所要掌握的只有一般規律，即人物的基本解剖知識，基本形體結構，及明暗調子和色彩變化的規律。要表現出物體的質感或人的個性特征，空間感，色調和諧，色彩關系準確等等。我們在水粉寫生中，要求形色合一。素描中的黑白灰概念在彩畫中要以冷暖色塊來代替，用改變色彩冷暖來表現形體的變化。再次，速寫。繪畫學習方面以速寫最為方便，最簡便的方式。速寫語言簡潔，生動，操作直接，方便，趣味的自由變化是它在藝術門類之中不可代替的。應該說，速寫是一種綜合能力的訓練，有利于養成良好的觀察分析的習慣，有利于鍛煉迅速捕捉生活瞬間的能力，增強形象記憶能力與造型能力，保持畫家與客觀世界的聯系與交流，更有利于藝術語言的不斷探索和認識，而且，跟不同人的多樣實踐體會，應有很多特殊的收益。那么最終速寫寫什么呢？寫形，寫神，更主要的是寫情。
油畫人體寫生心得學習了近一個月的油畫人體寫生，我對油畫人體的繪畫技巧、方法有了進一步的了解。
油畫的寫實塑造絕不僅僅滿足于結構、立體、空間等“硬性”指標的實現。首先寫實的意義就不在于迎合人們的視覺經驗，否則繪畫的存在很容易就會被其它更為有效、便捷的形式所取代。雖然我們不可忽視繪畫中手工的獨特價值，但如果手工的結果是對自身特征的抵消，那么我們將要懷疑它的意義了。繪畫中的手工特征是什么呢？道理很簡單，手跡如心跡，手跡是心靈感受的物化。問題在于藝術中人的心跡是否趨于和自然形式的一致？雖然不能一概而論，但如果我們是處于對自然的模仿性塑造狀態，那藝術中的“精準”將會是變異的，只能是降格以求。我們常說要畫感覺，何為感覺？“感”是感知，是感官在起作用；而“覺”則是覺悟、發覺，是感知后的反應，即意識。因此怎樣塑造，怎樣表現心跡便是一種意識。
追求這一切的精神準備都將落實到一點，即“意在筆先”。面對女人體，不同的人有不同的感受與理解。每個人的意識可以不同，但庇蔭在自然形式之下的繪畫是失語的，更是失意的??當然，要達到繪畫藝術的至美境界是艱難的，我們都是在追求那一目標的途中，我們雖然還達不到大師般的成就，但我們必須要樹立一種意識；雖然我們的筆跡還不能完全對應心跡，但只有意識到才會使這樣的距離縮短。
油畫風景寫生心得10月份中旬，我們開了油畫風景寫生課程。老師帶領我們前往濟源王屋山進行寫生。下邊，首先談談我對油畫風景寫生的理解和看法。
油畫風景寫生及其意義：
風景畫是以大自然為題材的繪畫。其審美價值的高低在于作者是否真實完美地表達出自己的審美理想，使被描繪的景物傳達出人的神韻和生活氣息，能否體現出民族的審美情趣。通過所描繪的景物來抒發情懷，引導觀者的參與共鳴，并給予美的享受。
風景寫生是油畫家很注重的一種觀察，是感受自然，體驗生活，歷練、提高自身素養的重要手段。從某種意義上說，寫生不僅僅是畫畫，更重要的是體驗，醞釀心中的意境。為使畫面的構成和諧而具有美感，還有地域特點和畫家的情感合拍等因素，“刪繁就簡”、“查漏補缺”是很好的取舍手段。色彩搭配的是否對比響亮、協調美觀、情境合理，直接關系到作品的成敗、優劣。對一個風景油畫家來說，積累豐富的寫生經驗，真實地描繪出自己的情感和思想，表達出對自然的理解、感懷和認識，以此才能抵達美感追求的最高境界。發現美是藝術家的首要任務，藝術家的眼睛是敏銳的，也是具有穿透力的。畫家面對大自然時，會在事物表象中發現內在的韻律，這韻律在畫家的內心世界中構成美感。
我想要探討的是油畫風景寫生作為繪畫專業的基礎課程——畫家到大自然中去“師法自然”，培養畫家良好的視覺閱歷和高雅的審美能力，同時鍛煉畫家體會自然、觀察自然、歸納自然和表現自然的能力，吸收傳統師承方法的寶貴經驗——有著其他寫生課程所無法取代的意義。風景油畫家要達到繪畫藝術的最高境界，需要畫家付出千百倍的辛勤努力。藝術是心靈的寫真，只有真誠才能動人。我在寫生過程中，漸漸對油畫風景寫生有了一些體會和感受，認為任何一個畫家都難以避免原生態景物的“挑戰”，如果蔑視自然寫生，初學者就會顯得很盲目，畫得雜亂無章，既沒有主題，又無法感染人。造成這種情況的主要原因是：一是沒有用心靈觀察感悟自然；二是掌握色彩基本原理的能力不夠；三是繪畫基本功粗淺，造成不能夠駕馭畫面。作為初學者，我認為應該多畫多思考多嘗試。我認為要注意以下幾點：一是經常到大自然中去寫生，豐富自己的內心世界，提升認知能力和感悟能力；二是用心去體會和感受物象，認真觀察景物的內在美，從內心深處去感悟自然萬物的美好屬性；三是多嘗試用主觀色彩去概括物象，不要一味“對景寫生”；四是多看古今中外大師的作品，從中體悟色彩語言的準確表達方法；五是要廣泛閱讀古今中外與油畫藝術有關的文學、哲學、音樂學、影視學、戲劇學等書籍，把個人經驗匯入整個文化的源流，以此訓練自身更高的藝術境界。
油畫風景寫生的觀察方法：首先，觀察是首要因素，在還沒有觀察之前，不要急于動筆，先觀察，后思考，然后再考慮畫面的色、光、點、線、面和所承載的意義。實踐證明，針對一個要寫生的風景時，我們要用近一半的時間靜靜觀察，反復揣摩眼前的物象，通過充分解構與分析，深思熟慮后開始嚴謹地構圖。作為畫家，要培養獨到的觀察力，比如面前的景物，什么地方使你激動，什么使你產生“詩情畫意”，要在整個寫生的過程中，緊緊抓住這個令你心動的興奮點，至于畫面中的其他景物皆為陪襯，這樣寫生起來，就會隨心所欲，體味出運筆寫詩的感覺。在寫生的過程中，善于觀察會有意想不到的收獲，如一處極為平常的景致，你也會覺得“有味”，突然產生創作沖動，有種值得一畫的欲望。
油畫風景寫生和室內寫生最大的區別在于，油畫風景寫生可以讓畫家獲得一種既新鮮又興奮的感受，作畫時充滿激情。這種感受和激情是單純待在畫室里所難以取得的，它是一種帶有個人真摯感情色彩和強烈鄉土生活氣息的審美體驗。油畫風景寫生和室內靜物寫生都要求畫家對所面對的客觀事物進行認真的觀察和思考，對物象進行具體分析和取舍，根據藝術需要經過歸納、組織，使畫面結構與表現語言整體概括，富有生氣，達到形體與色彩、刻畫與表現，整體與細節等各種因素的和諧統一。充分發揮自己的主觀能動性，主動經營畫面，運用光與色、明與暗、節奏與韻律等視覺語言，充分發揮主觀表現功能，把對客觀物象的認識轉化為主題的感受和情感的抒發。
油畫風景寫生的色彩：
對自然寫生，首先要采取定什么色彩，表達什么樣的感情，定調是很關鍵的一個環節。每個人對自然的感受，都有自己的獨到見解，所以畫家們對同一個景物寫生，表現出來的畫面也是不相同的，怎樣表達景物，怎樣用自己的感受，把自然唯美的表現在畫面上，進而達到欣賞者和你產生情感共鳴，重點就在于如何運用色彩語言的表達能力。對自然的感悟深淺程度，取決于一個人的意境歷練的深淺程度。因此，許多油畫家對同一個景物寫生后，會出現不同的作品，意境是每個人內在思想的體現，加之畫家對大自然抒發的情感，表現的技法，也存在著個體差異。油畫風景注重光影與色調，調子要定準，用色要準確，避免反復描摹，防止匠氣，盡量要一氣呵成，始終保持畫面的通透感，不浪費時間。因為光線透視，很可能在幾分鐘內，或幾秒鐘都會影響色彩透視，打亂你最初的意境，色彩微妙變化，也會使你束手無策。比如我們在秋季寫生，時間是15∶00點以后，這個時間的自然色彩變化差異是非常大的，而且這個時間的色彩、光線、光影、明暗都是最佳時機。如果我們每個環節都不按寫生正確方法操作，這幅作品就會雜亂無章，色彩不明快，畫面不生動，所以，進入畫家視野的景物最基本的方法之一就是定調問題。
油畫風景創作的提煉：
大自然賦予我們美的景物，所以我們要用生命去閱讀大自然，并在寫生中提煉意境和主題。有時我們會面對一片雜亂無章的山間樹林、雜草、亂石等無從下筆，這時，應先確定景物的大體走向，并對其適當地予以歸類，有時是形的統一，有時是色的組合，均應根據畫面的需求加以分析和把握。
是創作的基本功。只有具備了這樣的精神和意志，具備了這樣的感受和激情，具備了量的積累，才能真正把寫生和創作有機地結合起來，才能把自己的情感和個性語言真正融入到自己的作品中去。第三，把寫生當做創作來完成。在寫生過程中，不要一味地跟著對象走，在造型上要多變化，大膽取舍；在色彩上主動用主觀色彩再現對象，把自己的心理感受表達出來。
尋找適合自己的繪畫語言：
《銀月湖》——我的畢業油畫創作。
感言：
四年快接近尾聲了，心想著自己這四年來的繪畫作品，感覺在校基本就是為了完成作業去繪畫的，作品中幾乎完全沒有自己的感想，同時那一大堆都屬于寫生作業說實話交作業也就是為了得到老師的好評所以每次考試作業很認真的畫給給老師點評。
不過這次系里的畢業創作可是費了很大的精力和時間去認真著手的。在畢業創作還未進行時我那時就考慮繪畫一幅油畫油畫風景，不過一般我覺得像我們這么大的男生都喜歡繪畫一些美女，不過為了打破世俗我在找素材上花費了很多時間。首先找了一幅滿足大眾化的漂浮荷葉，我將這素材給了相應的指導老師讓他們給于指導，老師看了說這種素材很適合但是可能會花的很平淡。時間過的很快應為外出自己耽誤了創作時間學校即將要交畢業作品，這加快了我尋找素材的速度，猛的某天我在網上看到了一張新意的圖片《蓮花組圖》，這張圖片看上去最吸引我的就是那荷葉。看到了這些荷葉荷花我的繪畫興趣來了，創作的激情也隨之到來。隨后又找了大量關于荷葉荷花的圖片。
葉蓮蓬荷花刻畫成主體，其次我都是統統粗略的帶過。在描繪枯黃的荷葉時我心里很矛盾，心想究竟是畫水墨畫樣子還是寫實類型?經過一番斟酌，最終決定采取水墨感覺，這樣更能充實畫面內容。接著就是荷花，這些荷花都是很新鮮的，當畫到這里時我想到的就是將鮮嫩的荷花跟蓮蓬枯黃的荷葉做對比，這樣加強了畫面的對比效果。不過在繪畫那么多的荷花的時候我只將幾朵做了深入刻畫其中以單獨在外面的那些刻畫最深入。
繪畫過了很長一段時間看著畫面就覺得有點不足，感覺畫面對比度不夠，吸引度不強。通過幾天的停手思考終于想到了一些方法，一個想法就是將畫面分組成兩幅組圖各有特色卻相互關聯而且有過度效果。一幅畫面以成熟的荷葉蓮蓬將凋落的枯黃荷葉為主，而另一幅則以含苞待放的鮮嫩荷花初生的荷葉尖為主。由左到右逐步變化。讓兩幅組圖更具對比與吸引力。
選題：
荷花在我國已有三千年的歷史。傳說農歷六月二十四是荷花的生日，所以古稱荷花為“六月花神”。荷花，不驕不躁，宛如一個飽讀詩書的女子，處事坦然自若，遇事信心倍足，在她面前，再名貴的花兒也得甘拜下風。她清爽脫俗，不妖不艷，象一個高貴的小婦，靜靜地為丈夫守候在家門。
我喜歡荷花，因為它美，不論是海棠般的紅荷花，小姑娘般的粉荷花，還是那雪一樣的白荷花，都那么美。它到哪兒，就會給哪兒增添一絲幽雅。蓮與文化關系最深的是中國。自古以來，中國人便喜愛這種植物，認為它是潔身自好、不同流合污的高尚品德的象征，因此詩人有“蓮生淤泥中，不與泥同調”之贊。周敦頤還在《愛蓮說》中把蓮和各種類型的人物聯系起來，“菊，花之隱逸者也；牡丹，花之富貴者也；蓮，花之君子者也。”從古至今，許多人都有這種想法。在中國文學里，與蓮有關的詩詞歌賦，不計其數，蓮也有許多不同的名字，最常見的有荷、芙蕖、菡萏等。
中國畫以荷花作為夏天的標志，在中國的瓷器、地毯和戲服上也常繪有荷花。荷花盛開是豐收的預兆，也是夏天有代表性的美麗景色。北京故宮附近的北海公園本來是御花園，園中有人工湖，湖面大部分為蓮葉所覆，蓮葉有時候高出水面將近2米，開著千萬朵清雅芳香的花。蓮葉下可以行駛小船。
中國有許多與蓮有關的話語，蓮子代表連生貴子，藕為佳偶。并蒂蓮代表一對戀人，藕斷絲連是指男女雖然分手，但情意未絕。據說在公元五世紀，南齊東昏候“鑿金為蓮花以帖地，令潘妃行其上，”曰：“此步步生蓮花也！”因而后人稱美人之步為蓮步，又稱女子之纖足為金蓮。沒有別的植物可以像蓮那樣把亞洲各種不同的文化和諧而完美地融在一起。
西方也有不表現荷花的經典油畫作品，寄予了人們對荷花的美好希望和理想，其中最值得提到的是印象畫派。
在這些一流的印象派畫家中，我愿舉出克勞德·莫奈，他吸吮了我們這個時代的乳汁，在對周圍事物的禮贊中，他成長起來，并將日臻成熟。
這是作家左拉為畫家莫奈寫的詩。莫奈1840年生于巴黎，是一名雜貨商的長子。少年開始習畫，臨摩名師的作品，他經常在殉道者啤酒館中高談闊論，他在這里的所見所聞及學會的繪畫技巧，遠勝于任何課堂的教誨。因家人不滿他的憤世獨行，而斷絕了對他的一切財力支持，只得靠朋友們的幫助，后他又不顧家人反對，與卡蜜兒結婚，生活一直窘迫。在印象派第一次畫展中，因莫奈有一幅《日出印象》的油畫，被評論家不無諷刺意味地杜撰出“印象派”這個名詞。卡蜜兒因病去世后，莫奈又與歐雪德遺孀結婚。隨后經濟條件有所好轉，畫界聲譽也有提高，但他對此時毫不吝惜的贊譽全然無動于衷，全身心投入繪畫之中。盡管晚年的視力不斷衰退。莫奈晚年在吉維尼的家中，修建了一個池塘花園，種上了睡蓮，成為他油畫創作的泉源，創作了一批《睡蓮》組畫，畫面上池中的倒影與水中的光芒相映成為一片合諧的色彩，虛實之間充滿了自然的生趣，綠色的合諧。水面正氤氳在濃霧中，而睡蓮開放在朦朧中，不確定的弧形輪廓線顯示蓮花晃蕩的動態，不同的筆觸在多維視幻覺間保持了一種生動的張力。生命從四面八方涌來，遮擋天空，繁茂得近乎粗俗，轉瞬即逝的光影與生機盎然的花葉都一同溶化在一種無序狀態之中。莫奈的花園與《睡蓮》，是他將對東方藝術的體驗轉換到花園與繪畫上，是出自對東方情境的想象。睡蓮池畔的植物，系為了可以透過水面的反射，產生倒影，以營造幻境的氣氛。此情此景，馬拉美曾寫有這樣的詩句：“它深濃的白，包含這一個空無不可及的夢，包含著一種永不存在的快樂，我們所能作的只有繼續屏息，向那幻影致敬。在意外的腳步聲來臨前，在我走避的時候、這朵完美的花在升起的水泡中清晰可見??”。莫奈的《睡蓮》系列呈現出超越物體的表象，直探物體本質，這是對東方思想空無的詮釋。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇二
挫是用油畫筆的根部落筆著色的方法，按下筆后稍作，挫動然后提起，如書法的逆鋒行筆，蒼勁結實。筆尖與筆根蘸取顏色的差異、按筆的輕重方向不同能產生多種變化和趣味。
拍
用寬的油畫筆或扇形筆蘸色后在畫面上輕輕拍打的技法稱為拍。拍能產生一定的起伏肌理，既不十分明顯，又不致過于簡單，也可處理原先太強的筆觸或色彩，使其減弱。
揉
揉是指把畫面上兩種或幾種不同的顏色用筆直接操合的方法，顏色操合后產生自然的混合變化，獲得微妙而鮮明的色彩及明暗對比，并可起到過渡銜接的作用。
線
線是指用筆勾畫的線條，油畫勾線一般用軟毫的尖頭緒，但在不同的風格中，圓頭、校形和舊的扁筆也可勾畫出類似書強中鋒般的渾厚線條。東西方繪畫開始時都是用線造型的，在早加油畫中通常都以精確嚴謹的線條輪廓起稿，坦培拉技法中排線法是形成明暗的.主要手段。西方油畫到后來才演變為以明暗和體首為主，但盡管如此，油畫中線的因素也從未消失過。纖細、豪放。工整或隨意不拘以及反復交錯疊壓的各種線條運用，使油畫語言更為豐富，不同形體邊線的處理更是十分重要。東方繪畫的用線也影響了很多西方現代大師的風格，如馬蒂斯、凡高、畢加索、米羅和克利等都是用線的高手。
油畫
油畫是西洋繪畫中的主要的一個畫種。用快干油質調和顏料，繪制在經過處理的畫布、板、厚紙或墻面上的繪畫藝術。早期油畫采有“坦潑拉”（tempere）畫法，即用雞蛋黃或蛋清作為凋料溶合礦物顏料作畫，再作薄而透明油色罩在畫上。15世紀，尼德蘭畫家凡 愛克兄弟改用亞麻仁油和核桃油等快干油作為調和劑，使顏色易于調和，被廣泛地運用。特點為運筆自如，并可層層敷設，提高色彩亮度，能較充分地表現物體的真實感和豐富的色彩效果。從此，新材料和新技法很快流傳全歐洲。凡 愛克兄弟因此被稱作歐洲油畫的創造人。20世紀初我國出現研習油畫者漸多，其中李叔同（1880—1952）最早研習油畫并把種技法介紹到中國來。
掃
掃常用來銜接兩個鄰接的色塊，使之不太生硬，趁顏色未干時以干凈的扇形筆輕輕掃掠就可達到此目的。也可在底層色上用筆將另一種顏色掃上去來產生上下交錯、松動而不膩死的色彩效果。
跺
指用硬的豬鬃畫筆蘸色后以筆的頭部垂直地將顏料跺在畫面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的時候才應用。
乳劑材料
乳劑材料是一種具有悠久歷史的優秀傳統材料，在現代得到了新的發展。乳劑型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料，兩者的優點也兼而有之。各種坦培拉繪畫材料如蛋彩、酪彩以及蠟質材料都是屬于乳劑系列的。乳劑材料可用水稀釋，干燥速度快，類似水性材料；可以作不透明厚涂，干后不溶于水，又具有油性材料的優點。各類現代的丙烯、乙烯合成顏料等既保留了傳統乳劑材料的特點，又具備油性材料的長處，并且還有其它材料無法替代的效果，是有著很大發展前途的新型材料。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇三
油畫是一種具有濃郁油畫特色的繪畫藝術。與其他繪畫形式相比，油畫顏色飽滿，具有強烈的感性和起伏，色彩的漸變也更具生動感。所以，它一直都是繪畫藝術中重要的組成部分。不過，對于初學者來說，油畫畫起來并不容易。為此，我想分享一些我在學習油畫的過程中得到的經驗和心得體會。
第二段：材料準備。
在繪制油畫之前，我們需要做好相應的準備工作。裸裝光板、畫布、油畫顏料、畫筆、溶劑是繪制油畫必備的基礎工具。在準備的時候，我們必須考慮一些馬虎大意造成的問題，比如容易混淆顏料，畫筆蘸色過濃等等。所以，在準備過程中,一定要仔細打量每件工具，保證工具的質量，同時要注意防止顏料和涂料混淆，以免破壞畫面整體協調性和色彩層次感。
第三段：色彩運用。
色彩是油畫中不可或缺的因素之一。色彩施工需要細致入微，混合顏料需要熟練的技巧和豐富經驗。在色彩運用中，最重要的兩個知識點是顏色滿足和光影效果。要學會玩轉這兩個知識點，我們需要不斷練習，多畫幾幅畫，只有熟練掌握了這些技巧之后，才能真正做到在油畫中使用自如的色彩和透徹的光影效果。
第四段：線條處理。
線條處理是在油畫中影響畫面的因素之一。它的處理與顏色的運用密不可分。線條畫的好壞也會影響到油畫整體的質感，使畫面有“中氣、韻律”的效果。在處理線條時，我們要注重畫筆的輕重、粗細，要準確的表達出畫面的意境和氛圍。所以，練習建議從畫線條開始做起，慢慢掌握線條的運用方法，再繼續嘗試混合顏料的使用和光影效果的表達。
第五段：總結。
油畫是一門充滿魅力的藝術，而油畫的畫作則取決于學習者自身的實力和天賦。如果你具備一定的美術知識，勤學好問，那么學會油畫也不是什么難題。通過這些年的油畫實踐，我深深的體會到了每天堅持繪畫的重要性和努力的結果。當我們有了充足的實踐經驗和積累，用不了多久就能畫出自己滿意的畫了，相信你也一定可以畫出屬于自己的藝術作品。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇四
油畫的作畫技法作用在于將各項造型因素綜合地或側重體現出來，使一幅油畫能更加完美的展現出來。下面由小編為大家分享油畫入門技巧，歡迎大家閱讀瀏覽。
"點彩"即使用小號油畫筆以色點形式塑造物體。在這種純粹的表現形式中，色點是未經調和的純色，顏色以極小的形狀直接運用。
油畫色塊作畫法是油畫直接畫法的一種基本方式，完美使用這一技巧的藝術家是19世紀法國畫家保羅·塞尚。"色塊"是指藝術家運用蘸滿顏色的畫筆在畫面上"擺"出的塊狀筆觸。這些色塊有機組合在一起，構成具有可視形象的畫面整體。繪畫的全過程都是在色塊的交織中進行的。
多層覆蓋法是相對于油畫一次性作畫法定義的。在一次性作畫法中，物體的造型及色彩必須兼顧完成，而 多層畫法是分步進行的。首先在底色層上或精確或粗略地勾畫出素描關系，在不過多考慮細節的基礎上薄涂一層顏色，然后鋪設覆蓋層。歐洲古代大師在鋪覆蓋層時 通常采用一次完成作畫法，這樣能保持畫面的生動感。同 時也常用坦培拉顏料作底色層，坦培拉顏料含油少，干得快，并且能夠提高覆蓋層各種色彩的亮度。
油畫直接畫法要求畫家功底比較深厚，而且需要熟練的掌握其他的畫法。直接畫法是綜合各種筆法和刀法，直接在畫面上解決形與色的問題，直接畫法操作靈活，而且完成作品時間較短。能夠充分的體現油畫的藝術技巧。也是寫實派畫家常用的技法。
現代的直接畫法與古代的直接畫法是有所不同的，現代直接畫法主要是憑畫家瞬間的洞察力，準確把握和撲捉光與色的感覺，用隨心所欲的"速寫"方式，直截了當 地塑造形體，具有即興而作的清新感。它能充分發揮畫家的藝術創造力，使畫家能夠以飽滿的熱情，嫻熟的技藝，縱情揮灑抒發情感。雷諾阿這樣說：我作畫根本沒 有什么條條框框，當我觀察一個裸體時，所見到的無非是上千種細微的色調，我得千方百計找到一些生動的色調，以便使我所畫的肉體在我的畫布上顫動起 來。古典油畫中的直接畫法是指用不透明色或調和了白色的顏色厚厚地直接著色作畫，它區別于提白罩染。
油畫的拼貼法即是在繪畫過程中，為獲得獨特的藝術效果，運用實物，如報紙、畫片、相片等，根據設計意圖剪裁成所需的形狀，粘貼到畫面上。通過繪畫本身產生的肌理、輪廓線的運動變化、色塊的對比呼應，改變粘貼物的物質性，具象或抽象地表達作者的意蘊。
抽象畫是針對有具象內容的繪畫作品而言的。抽象畫強調畫面的點、線、面、色彩、筆觸、肌理等純繪畫語言的構成，具有只可意會不可言傳的隱喻和內涵。它是油畫作者與觀賞者之間心靈的對話和情感的交流，同時又是作者智慧的體現。
油畫顏料干與濕的差別非常微小。因此，在著重于色調準確再現的地方和需要以極細微的層次表現色彩的地方，油畫顏料是令人滿意的、適于描繪的最好材料。沒有任何一種材料像油畫顏料那樣，能在處理方法上容許那樣大的變化。油畫表面易于處理，能迅速、立即產生效果，而且容易獲得色調的融接和混合，還能在任何不成功的作品上作畫并將其蓋住，以及能趁濕進行糾正和改變，所有這些都是使油畫成為最廣泛的實用技法的原因。油畫顏料是用于繪畫表現形體的最好材料。油畫顏料可以不透明地使用，也可作為透明色或半透明色使用，在畫中可運用肌理及厚涂顏色與薄涂透明色相對比，并容許各種各樣的技巧，這是任何其他技法材料所不具備的。
油畫顏料在使用時有點像膏劑，具有黃油狀特點，同時又能流暢地趁濕涂抹，這種性狀顯示了它的極大魅力。用松節油或石油制劑稀釋，會使油畫顏料美麗的黃油狀特性降低。最好不要先涂很厚的顏料，因為這樣會使畫的色調缺少變化。涂得太厚的顏料或極少量的堆塑部分，常常可以用刮刀的.刀刃除掉——很像把面包片上過厚的黃油刮掉一樣——使顏色變得較模糊一些，而能重新在其上自如地繪畫。常常還可以用手指使輪廓線變得柔和與模糊，形體就可變得渾厚，隨后再將細部清晰地畫上去。這樣不用塑造而只是平平的處理，便可獲得立體的特性。畫下面的各涂層應當色料多而結合劑少，以便干燥得迅速而徹底。因此，在底色上使用不透明顏料或濃厚顏料是有順序的。這里，古代的繪畫準則“肥蓋瘦”仍然適用，即把多油的顏色涂在少油的顏色上，但不能走極端而把特別厚的顏料畫在很薄的顏料之上。要始終牢記，過多的油和結合劑在畫中往往是有害的，因此應當節制使用。在現代畫中，不透明顏料起著十分重要的作用。用不透明顏料可得到誘人的質感效果，增強畫的亮度和光輝。與較老的畫法相比，現在流行可見筆觸的畫法。事實上，這種筆觸是構成一幅畫的主要魅力之一。畫中用不透明畫法畫的那些部分比用透明畫法畫的更有吸引力，尤其是用克勒姆尼茲白畫的部分，這在古老的畫中往往可以觀察到。用不透明畫法和遮蓋力強的顏料完成的畫具有較大范圍的色彩變化，一幅畫用這種方法加強的效果和使用強烈色彩對比所產生的效果幾乎相同。
純油性顏料涂層應薄，但要含色料多，而且只有當涂層完全干燥時才能在上面覆蓋。
對于油畫來說。油畫筆是畫家的主要著色工具，而對于一名初學者來說，學習油畫首先就是好學習如何正確使用油畫筆。現在我們就來看一下油畫筆的正確用法。
畫筆是畫家用來著色的主要工具，畫家持筆作畫時，手、腕、臂都應自然伸展。在刻畫細部時，通常握住筆桿的前部。大面積地鋪色時，一般握住畫筆的尾端。具體的用筆方式有六種。
1.稀薄畫法中的持筆方法，手握筆的末端，手勢輕松，用筆柔擦自如。輔大色調時，常用此法。
2.屬于常規持筆法。手指握住畫筆的中央部位。
3.用掌心握筆。
4.在干畫法或原畫法中要將畫筆抓在手掌之中，使筆桿與畫面幾乎處于平行狀態。運用臂力作畫，有一定的力度。
5.這種持筆法，特別適合精致的細部處理，手指捏住畫筆前端接近金箍處。在使用細小的貂毛畫筆刻畫細部時采用此法。
6.手指捏筆的位置離金屬箍遠些，運筆也輕松了一些。點彩畫法多用這種持筆方法。既能用筆尖點，也能將畫筆側于畫布之上，用筆毛的側面點畫。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇五
“一年之季在于春”家鄉的春天，最美麗的是那一片片金色的油菜花，她就像鑲嵌在大地媽媽懷里一幅明艷的油畫。
天是湛藍的，偶爾有絲縷的云飄過，空氣中充滿了甜甜的香味。油菜花就怒放在這個動情的春天，碧綠的葉莖簇擁著純純的黃，似沉淀的太陽光，暖暖的、流動著、心動著......
遠遠看去，那田間一片片、一層層的油菜花漸次綻放著，似報春的使者，燦爛地笑著，走進田間，走進了地頭。有的與小麥間隔而種，綠油油的麥子與金燦燦的油菜花黃綠相間、交相輝映。有的大到幾畝田一片黃澄澄，非常純粹，猶如一大塊色彩鮮艷的黃地毯。有的小到幾分田鑲嵌在一大塊碧綠麥田中間，可真謂是萬綠叢中一點黃。
油菜花雖然沒有玫瑰那樣層層疊疊的花瓣，沒有菊花那樣多變的姿態，沒有郁金香多異的色彩，她就是這樣樸實無華，陽光下的油菜花，更是熠熠生輝，令人賞心悅目，心曠神怡。一朵朵，一簇簇，一片片，枝枝競放，是那樣恣肆，是那樣婀娜。朵朵細小的花兒，嫩黃的花瓣眾星捧月般的圍繞著花蕊，縝密的花瓣、細密的蕊心、這些金燦燦的油菜花，儲蓄了一冬的力量，只為將自己最亮麗的色彩盡情綻放給這蓬勃春天。
微風拂過，那金色的花海一浪緊跟著一浪，鋪天蓋地迎面撲來，她們隨風舞蹈著，歡笑著。掀起層層波浪，高低起伏，猶如春姑娘的長裙，裙褶輕擺，搖曳生香。
“兒童急走追黃蝶，飛入菜花無處尋”花叢中蜜蜂嗡嗡辛勤的忙碌著傳播花粉，釀造甜蜜，蝴蝶在花叢中翩翩飛舞欲與花兒比美，我和小伙伴親吻著金燦燦的油菜花，穿梭在花海里追逐著蝴蝶，追了老半天，蝴蝶沒追上，卻弄了個滿身的金黃，小伙伴們互相看著，互相笑著，原來我們臉上、身上早已是黃金斑斑了。
心靈在縷縷花香中過濾，愈發的純凈清澈。這彌漫在空氣中的幽香，這燦爛得迷離的花海，這溫暖醉人的陽光，就這樣把家鄉裝扮成了一幅亮麗的油畫。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇六
靜物畫是我們平時一種最簡單基本的畫種，也是一個初學者必須經歷的一項造型過程，它的簡單同時也有它趣味，我們不能以簡單的物體來衡量其藝術價值，它同樣有著與其他畫種一樣的藝術價值。下面是小編為大家分享初學油畫步驟與技巧方法，歡迎大家閱讀瀏覽。
靜物畫是我們平時一種最簡單基本的畫種，也是一個初學者必須經歷的一項造型過程，它的簡單同時也有它趣味，我們不能以簡單的物體來衡量其藝術價值，它同樣有著與其他畫種一樣的藝術價值。如果我們僅僅將它作為油畫學習時的一門基礎訓練課程，那我們就只要去觀察其形態的靜止性、光線的固定性和色彩關系就可以組合成一幅完整的油畫作品，都可以使初學者在寫生練習時對其進行反復的觀察和研究，因而這種方法是顯而易見的，同時也是任何其他練習所不可取代的。在我們平時完成一幅油畫靜物練習應從如下幾個方面著手，那就是靜物設置、構思構圖取舍、組織色調、細部刻畫、整體調整來進行。
靜物設置實際上是包含著很深的學問，并非那么簡單。當我們平時欣賞一幅優秀的靜物畫時，可聯想到作品畫幅作者的藝術追求，其實這是作者在作畫前的藝術構思，作者的心里早有了畫的設置。我們作畫的時候能否設置好靜物往往是這幅作品最終能否成功的先決條件。不過對于初學者來說應該選用那些形體相對簡單、色彩豐富而又比較明確的物體來進行練習，不能專找那些過于細碎凌亂的東西來做練習。首先只要去抓住靜物的大體色塊，有基礎的就可以慢慢的去單個的進行塑造，為把握整體畫面打基礎。
靜物設置的時候還要注意的是光線照射角度，對于初學者來說，一般最好選擇正面受光或3/4受光的角度。只有在這個有光線角度，對物體的各種色相呈現得最為明確。靜物設置時也應注意不同色相物體的色彩對比、冷暖關系、色塊面積的大小關系，以及分布的疏密聚散關系，還應選用多種不同形狀和顏色的物體，包括襯布去進行各種不同的嘗試。
以繪畫的觀點，組合一幅好的畫那是具備諸多要素的，首先第一步應該是在構圖處理，也就是畫面的點、線、面和黑、白、灰的結構關系。注意生活節奏和趣味。。
在一組靜物中要注意突出主體和畫面的變化統一，初學者一般是選擇比較簡單的物件來進行練習，在一幅畫中間有相同的物體但在造型上要有所變化。如果主體物是一個呈上升感覺的物體，那么參與組合的其他物件最好是選用呈橫向趨勢的盤子或水果之類的東西以使其相輔相成。做到畫面橫與豎、寬與長、靜與動、疏與密等等，一切物體對立的因素都可能成為我們設置靜物的依據。我們在設置的時候也可以借鑒歷代大師成功的范例，可以根據范畫去設置造型因素基本類似的靜物組合，并分析大師們的畫是如何從這些平凡的物件中去生華那種不可言狀的靈感，我們可以通過這種方法，也許是一條捷徑。
解決好基本的構圖關系，下一步的工作就是處理畫面的色彩問題。
(1)畫小色稿用油畫顏料在小幅油畫紙上迅速地畫出靜物的色彩關系，只要求抓住大的色調關系就行了，不需過多地細節刻畫處理。
(2)把握色調用較大的油畫筆蘸著經油稀釋的油畫顏料，像畫水彩一樣薄薄的在畫布上畫出靜物大體的色彩關系，由于前面已經在畫布上解決了畫面的素描結構問題，因此，這時不必過分拘泥于物體的外形。畫大色調的時候應從暗部和大面積的顏色入手。
我們首先解決好了物體大的色彩關系，我們可以在這基礎上用比較厚稠的顏色按部就班地對畫面進行逐步深入的刻畫處理。在深入刻畫時一定要注意的是要有計劃、有步驟地進行，像前面所說的那樣，假如當天沒有把畫畫完的地方要用畫刀將多的顏色刮去，下次可以接著畫。比如暗部的顏色最好是一次畫到位，以免把畫面畫灰，同時還要把握好色調、空間關系，最后再來單個的進行刻畫。
由于我們在深入刻畫的時候是用局部的方法來進行的，像這種互不連貫的作畫過程難免出現畫面色調不統一，甚至畫面出現灰、花和各種的情況。在這種情況下只有以加強或削弱畫面的方法來進行整體調整。尤其是主體物，假如是孤立的存在，與畫面其他的物體不相和的話，就必須加強主體，做到畫面統一，這樣我們才算是完成了一幅作品。
風景畫是我們人類追求回歸自然的一個精神家園，一幅好的風景畫作品往往寄托著人類對自己所生活的那個空間的依戀和對真、善、美的無限情思。風景寫生與靜物寫生的方法大不相同。靜物寫生是呆板的，風景寫生的景物錯綜復雜，難以處理，還有動景的人和其他的東西，這就要自己學會去處理大自然中的各種現象，從中間抽取景物來做畫，做到景意結合，畫出好的風景畫。
我們進行風景寫生時應當特別注意如下幾個方面：
1.立意進行風景寫生時應首先有一個明確的立意，也就是營造出一種意境，后面將要進行的如色調、造型、用筆和強弱處理都是圍繞著首先這個立意而進行的。其實這樣我們可以借用景色來抒發自己的情感，達到一個比較好意境。
2.色調把握好色調是畫好一幅風景寫生的關鍵。在我們畫的時候我們還要認真分析景物的色彩變化，同時還有陽光和陰雨天的變化，我們一定要將大自然的萬紫千紅的色彩納入畫面之中。
3.層次空間在我們進行風景寫生的時候應特別注意的是畫面的層次和空間關系。一般是遠、中、近三景，主體景物往往是處于中景的位置上，而近景多作粗略的處理。
4.細節刻畫風景寫生時對于細節的刻畫是很難把握的，要做到適可而止。因為戶外寫生時的時間有限，所以我們只需畫出物體的基本造型和色調就可以了，主要是體會那種用筆的意趣。
5.陽光作業陽光作業是風景寫生中最多，最好把握的一種色調，由于陽光照射的角度變化特別大，色調和空間關系最容易抓住，在很短的時間里就可以畫完。
人物寫生在我們繪畫之中是最難的`一種畫種，也是世界各民族進行藝術表現的一個主題。油畫對表現人的音容笑貌、人們的社會活動和揭示人的精神世界的各個方面都具有獨特的功能。
頭像寫生畫人難畫首，人的頭部是表現人的社會屬性和傳達內心情感的最為重要的關鍵部位。畫人的首要條件是先要了解頭部的結構和肌肉的走向，結合前面所學到的知識來進行對頭像的表現。
我們可以從如下幾個方面來組織和進行一幅人物頭像的練習。
1、挑選模特要找那些個性特征比較突出的模特兒，很容易抓住特征和形象，那些長的很漂亮的女孩子就不適宜來進行藝術表現，當然造型要美，這里的美是美學上的美。
2、設置對象模特兒角度的設置、色調的把握和服飾的關系要看做一個整體，同時還要處理好模特的頭、頸、肩的關系，以使畫面生動，不致顯得板滯。
3、畫面構成在畫之前首先要認真研究這個形象在畫面上所處的角度和位置，還有就是怎樣在構圖上產生重大突破，使畫面生動美觀。
4、起稿上色油畫人物頭像的基本方法和畫靜物大致相同，也是先用單色(褐色、黑色、群青)在畫布上勾畫出對象的大致結構、比例和運動關系。再來用厚一點的顏色鋪頭像，在鋪油畫人物頭像的大體色時，應從大塊面的深重顏色開始，然后將整個頭像的灰部、亮部、膚色、服飾作為一個整體來畫，不要局部的去畫，抓住色彩關系。千萬不能過早刻畫細節，一定要時時刻刻注意整體。
5、深入刻畫當整個畫面的色調關系畫的差不多了的時候，我們就可以開始深入地刻畫細節。對于頭部的各部分，其眼、耳、口、鼻、額、腮的處理不可以一視同仁，也要突出重點，把頭像立起來。鼻子是整個臉部最為突出的部分，表現的時候要把體積感加強，并要作出相應的細節描繪。每一次在一遍色層上進行深入刻畫時，做到色彩豐富，這樣表現出來的東西才顯得豐富生動。
6、整體調整與畫靜物的情況相似，經過刻畫完成的油畫人物頭像作業有可能達不到你所要的效果，這樣我們只有來進行整體調整，同樣是要把握整體色調、結構關系、各部位的形體變化和色彩的強弱對比，達到自己理想的效果為止。
后面的油畫半身像(全身像)和前面頭像的步驟是一樣的，難度大的是結構，還有全身比例的把握，主體頭、手、腳的把握。畫人物的半身像還要結合廣闊的社會生活背景，獨特的構思和思想內涵來完成。在服飾上可以做一點的文章，為寫生作業提供一個良好的創意基礎。
全身人像和半身像的基本畫法幾乎是相同的，在當我們能夠比較順利和得心應手地完成一幅半身人像作業的時候，也就具備了來完成全身人像的表現能力。
還要多注意人的下肢與腳部的表現和處理，為以后的人物創作打下結實的基礎。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇七
給自己定一個小目標在學習之前，先給自己定一個小目標，要在心里清楚希望自己學習的是什么或者考試能達到一個什么樣的程度。然后將目標細化，讓大腦循序漸進完成目標并設置一個積極的結果。具體如下：
1.在開始學習之前給自己制定一個可以完成的學習任務，每天在開始學習之前要考慮今天要完成的任務是什么，思考時間不用花費太長，5分鐘左右就好，可以在早上起床洗漱的時候也可以在工作的路上。
2.根據設定的任務細化完成任務需要的步驟。
3.分析或預測哪一部分是對自己有挑戰性的，是自己最弱勢的地方，可以讓自己在學習的時候多做準備，也可以多和網校的老師、學生多做交流，掌握學習方法來解決問題。
技巧2：合理利用時間。
最有效的時間不是長時間學習，這樣容易造成學習疲勞。學習要合理規劃自己有效的學習時間，勞逸結合，讓學習高效有用。從小的教育讓我們習慣背記東西在早上，其實據研究表明：晚上9點開始，我們的'大腦異常活躍、而且記憶力特別好，這樣的狀態將持續到臨睡前，這段時間是我們每個人記憶力的活躍期，做事情具有很高的效率。
技巧3：勤于思考。
“學而不思則罔”，思考是學習的靈魂。在學習中，知識固然重要，但更重要的是駕御知識的頭腦。如果一個人不會思考，他只能做知識的奴隸，知識再多也無用，而且也不可能真正學到好知識。知識的學習重在理解，而理解只能通過思考才能實現，思考的源泉是問題，在學習中應注意不要輕易放過任何問題，有了問題不要急于問人，應力求獨力思考，自己動手動腦去尋找問題的正確答案，這樣做才有利于思考能力的提高。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇八
除極少數國家和地區以外，人物畫幾乎是全人類各民族進行藝術表現的第一主題。可以說一部西方藝術史就是在研究如何表現人這一主題的過程中發展起來的。油畫人物寫生技巧有哪些？一起來看看。
油畫由于其所具有的那種豐富的表現能力，它在記錄人的音容笑貌、人類的社會活動和揭示人的精神世界的各個方面都具有得天獨厚的功能。
用油畫這一藝術形式去表現“人”這一永恒的主題離不開人物寫生。人物寫生主要包括頭像寫生、半身著衣人像寫生(含全身著衣人像)和人體寫生三個大的部分。由于“人”本身所具有的那種造型的復雜性和人們對于“人”自身的熟悉程度，往往會對人物畫的方方面面較之靜物、風景提出更高的要求(特別是在造型的準確性上提出更高的要求)。如何在較短的時間內通過有效學習使我們可以較快地基本掌握人物畫的表現方法，這對于教與學的雙方都是一個甚為復雜的課題。
人的頭部是人們認識某人和與他人相區別的基本特征所在，是記錄其社會屬性和傳達內心情感的最為重要的關鍵部位。由于其在生理結構本身所具有的復雜性和通過其可以傳達出的精神世界的豐富性，都使我們在對之進行寫生時必須先經過靜物、風景的學習并擁有相應的油畫寫生的知識和能力，方可得以順利地進行。同時因為頭像寫生本身所具備的那種造型上的難度，因此它又對有關人物畫的其他各方面的練習具有一定的啟動作用。當我們具備了一定的關于人物頭像寫生的知識并在實踐中可以游刃有余的時候，這就意味著我們已為后一步的學習鋪平了道路。
我們可以從如下幾個方面來組織和進行一幅人物頭像的練習。
進行油畫人物寫生練習時應盡量去挑選那些個性特征比較突出的模特兒。世人心目中那種長相乖巧漂亮的面孔往往并不一定適合作為繪畫表現的對象。這既是因為一個個性特征突出的人物形象，其本身所具備的那種生動的表現性有助于鍛煉我們大膽的處理和概括對象的能力，而那種乖巧的形象由于其五官各部的過分精致，反而會妨礙我們抓大體，特別是初學者在作畫時謹小慎微，從一開始就易于陷入被動的亦步亦趨的描摹之中。這也是一個美學上的問題，要將那種藝術的美和生活中的“漂亮”區分開來，從學畫之始就應該樹立起這種觀念。
模特兒的設置不僅是一個孤立的表現頭部形象的問題。我們應將頭部與服飾、背景所形成的色調關系看作一個統一體。設置模特時既要強調對象本身具備的外形特征，同時更要通過不斷的改換服飾和襯景的顏色去求得一種最佳的色彩關系，跟畫靜物畫一樣，初學者最好選用正面受光或3/4側面受光的角度作畫，并且應該注意使模特的頭、頸、肩形成一定的扭動關系，以使畫面生動，不致顯得板滯。
著手一幅頭像練習的時候應首先認真研究這個形象在畫面上所處的角度和位置。由于人物頭像作業是以人物的頭部作為表現的主體，而沒有多少附加成分可言，因而具有很強的規定性。若要使一幅人物頭像作業在構圖上產生重大突破，從而不致顯出太重的公式化痕跡是有一定的難度的。即便如此，我們還得從一些有關人物畫的基本構圖規律上做起。
在一般的情況下，我們常將人物頭像放在畫面的中心偏上一點的地方，這樣可使頭部在畫面上不致顯得下沉。但這種處理可能帶來一個最大的問題，那就是如果每一個人物畫家都照此方法處理，那豈不是造成了千篇一律?解決的方法還是有的，如利用人物的服飾、發型、道具、頭部運動的方向、襯景的皺折等因素都可以改變畫面的重心，甚至有些現代畫家還常常改變畫面的比例關系，如用正方形畫框、橫幅或者立幅的狹長條形畫框來畫人物頭像，從而使畫面構圖得到不同一般的處理。
油畫人物頭像的基本繪制方法和畫靜物大致相同，也是先用單色(褐色、黑色、群青)在畫布上勾畫出對象的大致結構、比例和運動關系。在此之前，也用鉛筆在小紙片上畫出多種方案以供選擇推敲。
在畫油畫人物頭像的大體色時，應從大塊面的深重顏色開始，然后將整個頭像的暗部、亮部、膚色、服飾作為一個整體來畫，以迅速地確定出畫面相互的色彩關系。在這個步驟上不要過早地陷入細節的描繪，因為尚未解決好大的色調關系以前，任何細節的刻畫都是多余的。過早的刻畫出了細節，只會妨礙我們營造畫面大的關系而得不償失。初學者最大的毛病往往就在這里，許多初學者往往都是從五官、甚至從眼睛開始一幅畫的繪制。
上大色調時應當適當放松一下形的限制(特別是應將一些精微細小的變化大膽舍棄)。重點在認真推敲和把握人物的膚色、背景、毛發、服飾之間的關系，亮部和暗部之間的對比關系以及同類色調之間的微妙區別，然后在此基礎上逐步使各種細節得到充實。
在處理大色調的時候，要很好地塑造出人物頭部的大的體積和各個局部形體之間的穿插關系(這方面還應加強解剖知識的學習)。對五官的表現同樣應重塑造而不要急于去刻畫細節。如前所說，比如畫眼睛的時候應當首先努力地去塑造出整個眼部的體積和轉折關系而不要急于去刻畫細節(特別是瞳孔和高光)。
對于面部的色彩處理還應注意上、中、下三庭的色段的區別。一般額頭部分的色彩有些偏黃、中庭臉頰的顏色比較偏紅，而下巴的顏色略帶綠意。
當整個畫面的色調關系得到令人滿意的處理的時候，我們就可以開始深入地刻畫畫面上所需的各種細節。
由于人物頭像練習是以人物的頭部形象作為表現的主體，因而對于畫面所出現的`諸種因素依然應注意其詳、略的區別。我們的一切藝術處理手段都不應偏離突出頭部這一根本目的。
對于頭部的各部分，其眼、耳、口、鼻、額、髓、腮的處理也不可以一視同仁。通常額頭應畫得飽滿、洗練，重點在于表現出它的大的體積。鼻子由于是整個臉部最為突出的部分，因而在表現其強烈體積感的同時也需作出相應的細節描繪。
眼部是一幅頭像練習中最為復雜與精細的部分。要花大的力氣去畫出它復雜的轉折，其中包括眼球、眼眶與眉弓的關系，眼眶、額部與顳骨的關系以及上下眼瞼與眼球的關系。
口部的表現應該注重強調它的虛實處理。缺乏經驗的初學者往往一味著力于描繪紅唇部的外形而忽略了塑造整個口輪匝肌的轉折和體積。
對于耳部的處理應當相對簡單一些。特別是當你畫的是一幅正面肖像(或者接近正面)的時候，過分強調了耳朵的描繪可能會極大地破壞畫面的空間。
對于人物頭像的深入刻畫也應有計劃有步驟地進行。每次作畫進度應有一個基本的估計。每選擇一個部位進行刻畫，都應像整形外科醫生那樣在畫面上找一個最不易為人察覺的地方下筆。如果當天不能完成預計的工作也應用jj將畫面上厚稠的顏料輕輕刮去。
每一次在一遍色層上進行深入刻畫時，并不一定要將前一個步驟畫上的顏色蓋完，應該盡量設法保留原先的色彩效果，同時在此基礎上逐個點染，這樣使畫面得以逐步深入并顯得豐富生動。
與畫靜物的情況相似，經過分片完成的油畫人物頭像作業可能會顯得支離破碎。由于我們在這一階段將工作的重心放到了對面部各個細節的深入刻畫上，忽略色彩關系往往是在所難免的。這時需要我們重新對畫面的結構關系、各部位的形體變化和色彩的強弱對比進行一次全面的概括和調整。
調整畫面常常是用較大的畫筆來進行的。當我們在畫大的色彩關系時，我們對于完成作品的意圖是比較明確的，但由于初學者一般都不具備多少控制畫面整體的能力，他們往往會對所表現對象的各種細節產生更大的興趣。因此，當他們費盡九牛二虎之力將各種細節羅列出來的時候，較之畫靜物、風景他們常常更容易失去最早的創意。這時最好的辦法就是將這幅畫放置一小段時間，以便能使我們回復到最初的激情。
在我們進行深入刻畫的過程中，由于過多地注意細節描繪還會使我們在不知不覺中，將原本勾畫得比較準確的形體結構沖淡而失去其緊密的內在聯系。因此，如果說將人物頭像上某些不必要的細節除去，較之畫靜物、風景更難讓初學者忍痛割愛，我們若不采取一個比大的行動，那就很可能聽之任之了。由于大筆不能畫出那么多的細節，可以用它對過多的細節進行大砍大殺，從而使畫面迅速地回到整體。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇九
平涂法是油畫棒最根本的涂色辦法。主要是依據物體的外形及走向。采用豎涂. 橫涂. 粗細涂. 螺旋涂. 輕重涂等手法。將各色油畫棒分別平均地涂在畫紙上。平涂法能將大小不等，外形變化的各種比照的色塊組織在畫面上，畫面的顏色將會顯得特別醒目漂亮。
先涂一種顏色后，在上面再涂上一種顏色，兩種顏色互相混合，經過來回揉擦后，產生自然過渡，溫和的效果。即可整個顏色混合，也可將顏色與顏色之間相銜接局部混合。上下顏色疊加最好按相同走向涂色，普通涂色規律是在淡色上疊加深色，或在深色上疊加淡色。初學的兒童，應多在冷暖相同的同類色當選色練習。紅和綠，黃和紫，藍和橙等比照色，互相疊加后，以產生臟色。初學的小朋友不宜過多運用。關于學畫較久的小朋友，他們對顏色有了進一步感受，在控制了一定顏色調和學問后，可大膽地運用于寫生畫面中。
把不同顏色的油畫棒畫出的線或點并列放置在畫面中，使畫面的顏色有愈加豐厚的變化，其效果相似于歐洲印象派畫家中的點彩法。此法能錘煉小朋友的毅志，培育他們耐煩細致，認真考慮的好習氣。在兒童繪畫中，特別適合于表現草地，天空及畫面的背景。點線的并置，應盡量密實，少留空白，也可采用由密到稀的表現手法。
在同類色中，在兩種顏色相接處來回揉合，多涂幾次，能夠使顏色相互交融而自然過渡。在一種或兩種顏色的.根底上，恰當添加一些其它顏色，能夠使畫面中的物體產生一定的平面感和空間感。顏色之間的自然變化，豐厚了兒童畫的表現力，使畫面上的物體愈加真實。如蘋果由綠到黃的變化，荷花. 桃子由粉紅到大紅的變化，花瓣的深淺變化，樹葉由淡綠到翠綠的變化，都能經過顏色突變法去表現。
油畫棒刮畫法是在白色或有色紙上，平均地涂上一層或多層油畫棒顏色，依據外型和畫面的需求，用竹筷. 小刀. 牙簽. 尺子. 小改刀. 釘子等各種硬器代筆，刮出外表局部的顏色，顯露出底色。經過點. 線. 面的表現，使畫面呈現用水彩或水粉等常見繪畫資料所達不到的特殊效果。
1、單層刮法 用一種油畫棒的顏色涂在白紙或各種紙上。
2、雙層刮法 1.用多種顏色較淺或鮮艷的油畫棒在白紙或色紙上涂好底色，最好涂成若干色塊狀，再用深色油畫棒在上面涂一層深色，如黑. 熟褐. 群青. 翠綠等或較厚的水粉涂在油畫棒上面。也可用各色水粉在下面涂上不同的底色，再在上面壓上深色油畫棒顏色，最后用各種硬器刮出來。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十
以前文字游戲很多，這二三年這種題有所減少
主觀題部分你必須把書上的內容記住，用書上的語句，有時多一個字或少一個字，或是換了個同義詞，那意思就有所不同了。很多地方你會感覺很模糊，好像沒有明確的界線，實際上也是如此，比如出具什么類型的審計意見，是沒有絕對界線的，特別是保留意見和無保留意見加解釋的，這也是綜合題考得最多的。
從近年來的出題方式來說，已經不再是要你簡單地羅列1.2.3了，趨于復雜了，不會一道簡答的答案都集中在書上的某一頁了。所以書上的那些1.2……10……，肯定不會考你，最多挑幾個來考，我認為現在的簡答題更趨于描述出現什么情況，你是注會，你該怎么做，這樣，簡答題也是夸章節的。而且簡答題，從各年來看是有不少重復的，只是稍有變化。
綜合題每年都少不了有一道調整分錄，出具審計意見，寫報告的題。我認為考審計還是要有一定的會計基礎的(我在這方面吃過虧，沒考會計之前我考了2回50多)，曾經有網友說他是如何沒一點會計基礎都考過了，也許那是一個好方法，可我認為這并不適合大多數人，調整分錄相對于會計的分錄來說要簡單多了，你有會計基礎那么你拿下調整分錄是很輕松的，至少也比死記硬背的分好撿。以去年的題來說，有幾個分錄都涉及到最新的會計準則，甚至當年的會計書上都沒有解釋的(比如：固定資產提減值后，怎么提折舊)，所以你對新的會計準則也要關注。再說會計熟悉對出具審計意見也是有幫助的，可以提高判斷力。說到寫報告那你就得把各類報告的格式，用語全背下來。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十一
挫是用油畫筆的根部落筆著色的方法，按下筆后稍作挫動然后提起，如書法的逆鋒行筆，蒼勁結實。筆尖與筆根蘸取顏色的.差異、按筆的輕重方向不同能產生多種變化和趣味。
用寬的油畫筆或扇形筆蘸色后在畫面上輕輕拍打的技法稱為拍。拍能產生一定的起伏肌理，既不十分明顯，又不致過于簡單，也可處理原先太強的筆觸或色彩，使其減弱。這是油畫技巧中的常用技巧。
揉是指把畫面上兩種或幾種不同的顏色用筆直接操合的方法，顏色操合后產生自然的混合變化，獲得微妙而鮮明的色彩及明暗對比，并可起到過渡銜接的作用。
線是指用筆勾畫的線條，油畫勾線一般用軟毫的尖頭緒，但在不同的風格中，圓頭、校形和舊的扁筆也可勾畫出類似書強中鋒般的渾厚線條。
東西方繪畫開始時都是用線造型的，在早期油畫中通常都以精確嚴謹的線條輪廓起稿，坦潑拉技法中排線法是形成明暗的主要手段。西方油畫到后來才演變為以明暗和體首為主，但盡管如此，油畫中線的因素也從未消失過。
纖細、豪放、工整或隨意不拘以及反復交錯疊壓的各種線條運用，使油畫語言更為豐富，不同形體邊線的處理更是十分重要。東方繪畫的用線也影響了很多西方現代大師的風格，如馬蒂斯、凡高、畢加索、米羅和克利等都是用線的高手。
掌握了這些基本的油畫技巧，才能更好地繪制和欣賞油畫。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十二
回想你看過的經典風光照，攝影師會去表現巍峨的高山或壯闊的海景，如果你住在內陸的平原上，別灰心，這里的景色依然值得拍攝。一片草地、幾棟廢棄的建筑，都可以成為照片的主角。
沒有戲劇性的場景，你也可以人為去制造一些亮點。在某些照片中，你不需要太奪人眼球的主體，此時干凈、低調的背景正好可以襯托出你的創意。在平原上，農田、草地都是很不錯的拍攝對象。正如上圖所示的，慢門可以馬上讓你的.風光照與眾不同，它可以虛化畫面中的動態物體，造成虛實結合的景象。
你需要0.5秒左右的時間虛化風光中的動態物體，才能達到對比的效果，如果要虛化云朵等移動緩慢的拍攝對象，則要更長時間。此時如何降低快門速度是個棘手的問題。在晴朗的室外，將光圈收到最小，再降低感光度，你也無法得到足夠慢的參數，此時，你需要濾鏡來幫忙。
在風光攝影中，中灰鏡(nd)是最常用的減光濾鏡，它能在不影響照片顏色和明暗效果的同時減少鏡頭的進光量。中灰鏡的壓暗等級通常以nd2、nd4和nd8標出，它們分別代表延長1擋、2擋以及3擋快門時間。疊加使用，你可以獲得更強的壓暗效果。偏振鏡也能達到減少進光量的效果，但是壓暗成效并不明顯，它可以延長一擋快門，在沒有中灰鏡的時候，也能派上用場。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十三
油畫（an oil painting；a painting in oils）是以用快干性的植物油調和顏料，在畫布亞麻布，紙板或木板上進行制作的一個畫種。作畫時使用的稀釋劑為揮發性的松節油和干性的亞麻仁油等。畫面所附著的顏料有較強的硬度，當畫面干燥后，能長期保持光澤。憑借顏料的遮蓋力和透明性能較充分地表現描繪對象，色彩豐富，立體質感強。油畫是西洋畫的主要畫種之一。
油畫的前身是15世紀以前歐洲繪畫中的蛋彩畫，后經尼德蘭畫家揚·凡·艾克（jan van eyck），（1385年-1441年） 對繪畫材料等加以改良后發揚光大。后人因揚·凡·艾克對油畫藝術技巧的縱深發展做出的獨特的貢獻，譽其為“油畫之父”。近代油畫多用亞麻子油調和顏料，在經過處理的布或木板上作畫，因為油畫顏料干后不變色，多種顏色調和不會變得骯臟，畫家可以畫出豐富、逼真的色彩。油畫顏料不透明，覆蓋力強，所以繪畫時可以由深到淺，逐層覆蓋，使繪畫產生立體感。
油畫逐漸成為西方繪畫史中的主體繪畫方式，存世的西方繪畫作品主要是油畫作品。隨著時間的發展油畫逐漸生活化，其中最著名的就是《蒙娜麗莎》表現的一個普通婦女并廣為流傳。19世紀后期，由于科技發展，許多新材料應用于油畫領域，如丙烯顏料，油漆等。
亞麻油為干性油，主要是以亞麻油為溶劑和黏結劑的顏料。可以在空氣中逐漸氧化干燥，并且具有一定的光澤。初學的話我建議你買馬力產的藝術家油畫顏料，大體上含油量比較適中，沒怎么看到有脫油現象質量還可以，大約10元左右一支，配色15種左右即可，其中一定至少買一種黑，白一般要多買一些。
分稀釋劑和調色劑。對于黏結顏料和畫底沒有作用，稀釋計只是能稀釋顏料。相當于水彩畫中的水，但是油畫是不可以用水調和的一般是用松節油。不過因為僅靠顏料中的亞麻油是缺乏以牢固的黏結油畫顏料的并且有時候稀釋劑用多了也會產生其他問題，所以需要其他調色劑最常用的純亞麻油/熟亞麻油，調色劑主要也是干性油類。也有直接叫調色油的這些可以和松節油混合在一起使用，當然還有很多別的以后慢慢了解好了市場上的3合油4合油什么的比較好一點的可以用用看。
這種筆毛比較硬，可以先買一套豬鬃筆試用。彈性強，適合厚畫，可以畫出顯著的筆觸。另外可以另選個別號碼的狼毫筆，也就是軟毛油畫筆，比較柔軟，筆觸柔和不明顯，再未干燥的土層上畫不容易把下面的顏料挑上來。總之先買點用用看，喜歡哪種類型和大小的以后再去選購。再用一支沾了顏料的筆畫另外一種顏色的時候需要先拿布或者紙把筆上原來的顏料擦掉。如果長時間不用的話一定要先把筆上的顏料洗凈，畫筆用后需要清洗。否則筆會硬掉報廢。3種辦法洗筆：松節油（比較貴）肥皂加水（傷筆毛）香蕉水等化工溶劑（常用有損健康）自己看了習慣了肥皂加水。
挫是用油畫筆的根部落筆著色的方法，按下筆后稍作，挫動然后提起，如書法的逆鋒行筆，蒼勁結實。筆尖與筆根蘸取顏色的差異、按筆的輕重方向不同能產生多種變化和趣味。
用寬的油畫筆或扇形筆蘸色后在畫面上輕輕拍打的技法稱為拍。拍能產生一定的起伏肌理，既不十分明顯，又不致過于簡單，也可處理原先太強的筆觸或色彩，使其減弱。
揉
揉是指把畫面上兩種或幾種不同的顏色用筆直接操合的方法，顏色操合后產生自然的混合變化，獲得微妙而鮮明的色彩及明暗對比，并可起到過渡銜接的作用。
線是指用筆勾畫的線條，油畫勾線一般用軟毫的尖頭緒，但在不同的風格中，圓頭、校形和舊的扁筆也可勾畫出類似書強中鋒般的渾厚線條。東西方繪畫開始時都是用線造型的，在早加油畫中通常都以精確嚴謹的線條輪廓起稿，坦培拉技法中排線法是形成明暗的主要手段。西方油畫到后來才演變為以明暗和體首為主，但盡管如此，油畫中線的因素也從未消失過。纖細、豪放。工整或隨意不拘以及反復交錯疊壓的各種線條運用，使油畫語言更為豐富，不同形體邊線的處理更是十分重要。東方繪畫的用線也影響了很多西方現代大師的.風格，如馬蒂斯、凡高、畢加索、米羅和克利等都是用線的高手。
油畫 是西洋繪畫中的主要的一個畫種。用快干油質調和顏料，繪制在經過處理的畫布、板、厚紙或墻面上的繪畫藝術。早期油畫采有“坦潑拉”（tempere）畫法，即用雞蛋黃或蛋清作為凋料溶合礦物顏料作畫，再作薄而透明油色罩在畫上。15世紀，尼德蘭畫家凡 愛克兄弟改用亞麻仁油和核桃油等快干油作為調和劑，使顏色易于調和，被廣泛地運用。特點為運筆自如，并可層層敷設，提高色彩亮度，能較充分地表現物體的真實感和豐富的色彩效果。從此，新材料和新技法很快流傳全歐洲。凡 愛克兄弟因此被稱作歐洲油畫的創造人。20世紀初我國出現研習油畫者漸多，其中李叔同（1880—1952）最早研習油畫并把種技法介紹到中國來。
掃常用來銜接兩個鄰接的色塊，使之不太生硬，趁顏色未干時以干凈的扇形筆輕輕掃掠就可達到此目的。也可在底層色上用筆將另一種顏色掃上去來產生上下交錯、松動而不膩死的色彩效果。
指用硬的豬鬃畫筆蘸色后以筆的頭部垂直地將顏料跺在畫面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的時候才應用。
乳劑材料
乳劑材料是一種具有悠久歷史的優秀傳統材料，在現代得到了新的發展。乳劑型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料，兩者的優點也兼而有之。各種坦培拉繪畫材料如蛋彩、酪彩以及蠟質材料都是屬于乳劑系列的。乳劑材料可用水稀釋，干燥速度快，類似水性材料；可以作不透明厚涂，干后不溶于水，又具有油性材料的優點。各類現代的丙烯、乙烯合成顏料等既保留了傳統乳劑材料的特點，又具備油性材料的長處，并且還有其它材料無法替代的效果，是有著很大發展前途的新型材料。
一、可在畫布背面薄薄地涂上兩層預先溶解在松節油中的天然蜂蠟，能完全防止潮濕空氣的浸入而造成損害。
二、油畫要避免陽光的長期直射，因為紫外線對色彩的破壞性很大，會造成褪色和變色。
三、油畫切忌將兩張畫面對貼。避免氣溫升高使畫面粘連，導致油彩脫落、畫面受損。
四、卷油畫時要使畫布朝里，畫面朝外，外面卷一層紙筒，然后再用塑料布裹上，防止畫裂。
五、儲存油畫的屋子要注意通風和防潮，盡可能離洗澡間、廚房遠一些，注意防止灰塵、油煙對畫布造成的損壞，房間內應保持一定的溫度與濕度。受潮的畫一定要慢慢陰干，切忌暴曬，否則畫面容易脫落。
六、墻上掛的油畫如果落上灰塵，可以用微濕的干凈布輕輕地擦。如果油上面有油煙，可以用淡一點的肥皂水和清水輕輕地試著擦洗，然后迅速拿海綿把畫面上的水吸干，再拿電風扇輕吹油畫表面。如果遇到年代久、有龜裂的油畫，一定要少用水，局部干擦即可。如果用專業的上光油為油畫保養，在噴上光油之前，要用干凈的布把畫面擦干凈。
七、一般油畫可以保存二三百年，但隨著時間的推移，有些油畫在幾十年后就可能出現龜裂。如果收藏品較多，可以把油畫用塑料布包起來，放在木箱里，防止硬傷。
油畫的“平抹”畫法
與“干筆”畫法相反，“平抹”畫法追求無任何筆痕的玻璃般光滑平整的畫面效果。
“平抹”畫法的要求如下：
（1）首先是選用細紋理亞麻布，做底子時用砂紙反復打磨，以求細膩的質地。
（2）在繪制作品的任何一個階段都不要使用厚涂的、容易產生明顯筆觸的畫法。
（3）盡量避免使用調色液，特別是濃稠的聚合調色媒介。要使用新鮮的油畫色，用樹脂松節油稍加稀釋即可。
（4）素描底稿要準確、清晰。
（5）第一層油畫色要用干凈均勻的筆觸畫出，不能有隆起，顏色要充分調和。
（6）在著色過程中要多使用扇形筆將顏色抹平，小的油畫滾子和棉抹布也能派上用場。
（7）要求得平滑的表面，多層畫法是必要的，色彩靠層次豐富起來。
（8）“平抹”作為一種技法只運用于繪畫過程的一部分為最好，因太多的平抹會使畫面色彩貧乏無力。若與厚涂、干筆等技法并用，更能體現其質地特征。
(1) 調色刀。用于在調色板或平板上調和油畫顏料。一般刀身較長，頭圓，柄直，硬度與彈性適中。刀面平滑而光潔，有利于擦拭。圓頭刀片設計是一個重要特征，調和顏料時，可以很快抹開顏料，刮顏色時又不會傷及底板。
(2)畫刀。繪畫用刀刀片輕薄、精巧、極富彈性。刀面與柄之間有彎曲的金屬桿連接，這種特殊設計避免作畫時手指觸及畫面顏色，同時又使畫刀在控制上更為靈活自由。刀刃形狀多樣，有圓形、方形、三角形、鈍角形等，長短大小亦有區別。用畫刀作畫能達到畫筆難以達到的效果。畫筆的使用往往與畫布垂直或呈一定的角度，而使用畫刀時，刀片幾乎與畫布平行。畫刀是現代畫家的常用工具。
(3)刮刀。主要用來清理調色板上的廢舊顏料。刀片較硬，形狀類似工人用的鏟刀。但在實際運用中，大號調色刀、畫刀也常常用來刮色。但不能刮調色板上的干顏色，因為刀片較薄、易折。有一種直柄的塑料刮刀，能確保使用時不會損傷調色板，特別是紙性調色板。
(4)輔助性刀具。
手術刀或紙工刀：用來修理畫布上凸起的線頭，清除畫面的小顆粒或污點。
大刮刀：主要用于制作大型畫布底子，在現代繪畫技法中用于大面積涂色，如圖12。圖12中的(1)是16、17世紀歐洲畫家使用的舊式的大畫刀。(2)是法國當代超寫實主義畫家伊維爾所使用的大刮刀。
每一種油畫刀的刀型都是離不開它功能的設定的，一般來說油畫刀就主要有調色刀、畫刀以及刮刀，每一種刀在使用過程中都是多功能的。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十四
引導語：油畫繪畫有著一定的技巧才能達到預期想要的效果，以下是小編整理的油畫繪畫技巧與效果，歡迎參考閱讀!
罩染指的是在已經干燥的底層上建立一層新的透明或半透明膜層的技法。與其他技法相比上光這一過程會要求更加精細。溫莎·牛頓麗坤原液是一種可以減少痕跡的優質罩染媒介。
用松散的畫筆在底色上繪制出一層不透明或半透明的薄層，這種畫法可以很好地保留在繪畫表面時繪制的層次與其產生的效果。稀釋顏料時可以使用溫莎·牛頓麗坤媒介，而如果您期望得到一個厚重的肌理，可以使用厚涂媒介或半透明厚涂媒介。
利用鬃毛筆和高稠度油畫顏料可以創造出點彩的效果。直接使用管中的原色即可，或使用溫莎·牛頓麗坤半透明媒介將其調和亦可。
涂鴉畫法，是指用尖頭畫筆、畫刀及其它畫具在潮濕的油畫層中進行創作的技法。
這種技法在進行勾繪輪廓或添加細節時效果明顯。如果您需要進行更多的操作，可以通過使用溫莎·牛頓麗坤精煉亞麻油或者藝術家繪畫媒介來延長顏料的干燥時間。
這是一種使用顏料進行厚重繪畫的技法，它可以明顯地保留筆觸，并創造出肌理的效果。
溫莎·牛頓麗坤厚涂媒介可以創造出肌理的效果，并提高顏料的透明性。如果需要更為厚重的效果，可以通過分層繪畫分層干燥的方法完成。
許多藝術家都喜歡在繪畫的初始階段使用格里芬快干油畫來進行底色的繪制，而后再用傳統油畫將其作品完成，這樣的方式可以為他們節省大量的時間。
底色的繪制通常使用的是單色顏料。不過如果使用的是快干顏料，那么所有的色別均可適用。
潤色是油畫媒介的.一種用途，它是指用以補償油畫作品日益黯淡的光澤或作品底層的油性。這種情況的產生通常是由于原作的繪畫表面質量較差、吸油率過高，或是由于原作使用了太多的溶劑而媒介用量卻有所不足。當油畫顏料干燥后，在應用溫莎·牛頓藝術家繪畫媒介時，應在確保畫面潔凈后有節制地擦拭在已經黯淡的繪畫區域。
拭去表面的殘余物，用一到兩天的時間待其干燥。如果還有部分區域依然黯淡，待繪畫表面重新成膜厚重復上一步驟。在油畫顏料未恢復其應有的色澤前不應將其罩光。如果希望加快其潤色的速度，可選擇溫莎·牛頓增稠亞麻籽油與白精油，按照1:1的比例混合。
如果把“肥蓋瘦”換一種說法，變成“越柔韌，越靠上”，將會更容易理解一些。在利用罩染進行多層繪畫時，所用到的媒介油比例應該逐層遞增，以此來保證上層的顏料具備更好的柔韌性，從而盡可能地避免顏料干燥后開裂。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十五
油畫風景怎么畫?油畫風景也被稱作“風景油畫”，是油畫的一個主要門類，用油畫材料對自然景物進行描繪。文藝復興以后的16世紀，風景油畫作為獨立的繪畫體裁出現于歐洲畫壇，并得到極大發展。如今油畫風景已經成為油畫的.一個大類，尤其在中國更是出現了中式油畫風景革命。那么油畫風景怎么畫呢?下面小編就給大家講講這塊。
選擇景物可根據自己的喜好。選擇光線好，層次分明的景物最適合作畫。
用碳棒或簡單色勾勒出風景的大體輪廓草稿。
突出想要描繪的中心。
將勾勒的草稿進行修正提煉，進一步抓住主要的景物，描繪準確的輪廓。
用線條或簡單色勾勒出明暗關系。
起好素描稿，先定好大的色彩關系，鋪畫大色調。
將大的色彩關系畫好后進行調整，調整好后對樹木、山川、河流等細節進行細致的描繪。
畫出不同物體的質感和光感。
最后再調整整體色調，完成作品。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十六
1.可在畫布背面薄薄地涂上兩層預先溶解在松節油中的天然蜂蠟，能完全防止潮濕空氣的浸入而造成損害。
2.油畫要避免陽光的長期直射，因為紫外線對色彩的破壞性很大，會造成褪色和變色。
3.儲存油畫的屋子要注意通風和防潮，盡可能離洗澡間、廚房遠一些，注意防止灰塵、油煙對畫布造成的`損壞，房間內應保持一定的溫度與濕度。受潮的畫一定要慢慢陰干，切忌暴曬，否則畫面容易脫落。
4.油畫切忌將兩張畫面對貼。避免氣溫升高使畫面粘連，導致油彩脫落、畫面受損。
5.卷油畫時要使畫布朝里，畫面朝外，外面卷一層紙筒，然后再用塑料布裹上，防止畫裂。
6.墻上掛的油畫如果落上灰塵，可以用微濕的干凈布輕輕地擦。如果油上面有油煙，可以用淡一點的肥皂水和清水輕輕地試著擦洗，然后迅速拿海綿把畫面上的水吸干，再拿電風扇輕吹油畫表面。如果遇到年代久、有龜裂的油畫，一定要少用水，局部干擦即可。如果用專業的上光油為油畫保養，在噴上光油之前，要用干凈的布把畫面擦干凈。
7.一般油畫可以保存二三百年，但隨著時間的推移，有些油畫在幾十年后就可能出現龜裂。如果收藏品較多，可以把油畫用塑料布包起來，放在木箱里，防止硬傷。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十七
寫實風景油畫作為繪畫的大分類，其自身的藝術使命和藝術魅力在經歷諸多風雨之后，仍然不減它的風采。通常情況下繪畫強調自我面貌的凸現，但有一些基本的技巧是需要必須掌握的。以下僅供參考！
挫是用油畫筆的根部落筆著色的方法，按下筆后稍作挫動然后提起，如書法的逆鋒行筆，蒼勁結實。筆尖與筆根蘸取顏色的差異、按筆的輕重方向不同能產生多種變化和趣味。
用寬的油畫筆或扇形筆蘸色后在畫面上輕輕拍打的技法稱為拍。拍能產生一定的起伏肌理，既不十分明顯，又不致過于簡單，也可處理原先太強的筆觸或色彩，使其減弱。
揉是指把畫面上兩種或幾種不同的顏色用筆直接相互揉合的方法，顏色揉合后產生自然的混合變化，獲得微妙而鮮明的色彩及明暗對比，并可起到過渡銜接的作用。
線是指用筆勾畫的線條，油畫勾線一般用軟毫的尖頭線，但在不同的風格中，圓頭、校形和舊的扁筆也可勾畫出類似書強中鋒般的渾厚線條。東西方繪畫開始時都是用線造型的，在最早油畫中通常都以精確嚴謹的線條輪廓起稿，坦培拉技法中排線法是形成明暗的主要手段。西方油畫到后來才演變為以明暗和體首為主，但盡管如此，油畫中線的因素也從未消失過。纖細、豪放。工整或隨意不拘以及反復交錯疊壓的各種線條運用，使油畫語言更為豐富，不同形體邊線的處理更是十分重要。東方繪畫的用線也影響了很多西方現代大師的`風格，如馬蒂斯、凡高、畢加索、米羅和克利等都是用線的高手。
掃常用來銜接兩個鄰接的色塊，使之不太生硬，趁顏色未干時以干凈的扇形筆輕輕掃掠就可達到此目的。也可在底層色上用筆將另一種顏色掃上去來產生上下交錯、松動而不膩的色彩效果。
指用硬的豬鬃畫筆蘸色后以筆的頭部垂直地將顏料跺在畫面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的時候才應用。
風景畫到了印象派大師的手中，變得變幻莫測，難以捉摸，成為最受追捧的畫種。
印象派又稱為“外光派”，他們研究出用外光描寫對象的方法，并認識到色彩的變化是由光色造成的，色彩是隨著觀察位置，受光狀態的不同和環境的影響而發生變化，同時把這種科學原理運用到繪畫中去。根據觀察和直接感受表現微妙的色彩變化。給后來的現代美術以極大的影響。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十八
油畫入門教程本次介紹寫生人物油畫的技巧，寫生人物油畫和人物半身像的基本繪制方法大體一致，當初學者能夠完成一幅人物半身像油畫的時候，實際上初學者已經在很大程度上具備了寫生人物油畫的表現能力。關于這方面的內容,小編整理了一些相關資料給大家參考，覺得有用的話就快快收藏吧。
但是寫生人物油畫畢竟是油畫基本寫生中難度最大的一個課題。首先它較之頭像和半身像寫生而言，表現的內容已經明顯地增加了。由于構成一幅寫生人物油畫的基礎是全身的人體運動，因此初學者除了應該具有相應的色彩知識和色彩處理能力以外，同時還應具備嚴謹、完備的全身人體解剖知識。
在畫寫生人物油畫時，要多加注意人的下肢與腳部的表現和處理。由于前一階段初學者已經在人物頭部和上半身花了較長時間去研究和學習，可能會對這方面的表現顯得輕車熟路些。
另外人們審視事物時也常會習慣性地將注意力集中到畫面的上方(因為下肢在畫面上往往是處于中心以下的位置，常常會為畫家和觀者的視線所忽視)。同時，由于下肢，特別是腳的處理對初學者畢竟是一個新的課題，因此如何協調好它與人體其他部位的相互聯系與準確處理其本身的解剖、透視關系，都需要初學者花很大的力氣才有可能解決。
五官和頭部的細節刻畫在一幅寫生人物油畫上更不再有造型上的決定性意義。在一幅寫生人物油畫上，初學者常常可以通過人體本身的運動，特別是頭、頸、肩的運動關系來表現人物微妙的內心活動和表情。
由于寫生人物油畫具有更大的信息容量，因而它就可能包含有更多的創作因素。這就要求初學者在設置和處理這組寫生人物油畫時盡量考慮多從這些因素出發而不僅只是考慮它的表現技巧。如何加強畫面的整體構思，從而使畫面更具有某種深度和完整性，是初學者進行訓練的'更高的出發點。
注意整體對于所有的有關油畫寫生的寫生都是一個共同的要求。這既體現在處理好色彩的整體關系，同時也體現在處理好畫面的黑、白、灰的強弱對比，越是造型因素復雜的畫面，初學者越要注意協調他們彼此間的主次關系。同畫靜物與風景一樣，多畫一些關于寫生人物油畫的小幅色彩速寫，仍然是初學者能夠熟練掌握和駕馭有關藝術表現的種種方法的重要捷徑。
在初學者學習油畫的過程中，臨摹大師的優秀繪畫作品可以直接的吸收大師作品的精華，體驗優秀油畫作品的奧妙，是一條快速進步的捷徑，尤其是身邊缺乏專業老師指導的學習者，臨摹的意義更是重大，請相信筆者的忠告：“在臨摹優秀作品的過程中仔細體會，總結心得，遠比去自學一些所謂的理論和方法要直接有效的多。”
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇十九
要特別指出，色彩最怕固定化形成習慣色，如果無論畫春夏秋冬、北方與南方、室內與室外、男人與女人、不同的植物花草等等，都是一種色調一種方法，那么藝術生命也就停止了。
1.真正的調色不能在調色板上，而應在畫布上，只有畫面才能告訴你需要什么顏色。寫生作畫，眼睛基本不看調色板，而看畫面與對象。即使在調色板上取用幾種顏色也是簡單地調合，在畫面上才是最后的綜合。如果在畫板上調得過分均勻，色感必單調死板。此外，畫面存在未干的顏色，調色時必須考慮畫面顏色成分，如果在調色板上調“準”了顏色，加上畫面已有的底色又會變得不準。
2.顏色種類不必太多，十多種即可，它們是：白、檸檬黃、中黃、土黃、金土黃、(或生赭)、桔黃、朱紅、西洋紅、深紅(或紫紅)、淡紫紅、土紅、熟褐、粉綠、土綠(或橄欖綠)、翠綠、湖藍、群青、黑。19至21種顏色即可。
3.調色板上放顏色的順序，基本可按前面所提顏色順序排下來，暖色放一邊，冷色放一邊，而每一種顏色又由淺到深排列，如檸檬黃、中黃、土黃、生赭......這樣就有一種素描深淺之概念。假如在畫很深顏色的暗部，需要再亮一點暖一點，就可試調生赭，不夠再用土黃，再不夠可用中黃，以此類推。畫暗部千萬不可亂用白色，一用白色就不透明了，顏色發粉。
4.白、土黃、土紅、熟褐、土綠、翠綠、群青、黑，是油畫的基本常用色，它們也不易變色。
5.熟褐、深紅、翠綠是暗部用色的三個寶。
6.土黃、土紅是亮部的基本常用色。
7.檸檬黃是風景作品中高光、逆光、亮部很可貴的顏色，色感較冷。
8.土綠(或橄欖綠)、中綠，對畫樹而言，起萬能的作用，如樹的暗部——土綠加熟褐，偏冷可加群青，樹的亮部——中綠加土黃、檸檬黃，夕陽或秋葉可再加桔黃。
9.頭像暗部——土紅加象牙黑(北歐學派，較透明)，土紅加翠綠(東歐學派)。如果用朱紅加中綠也可產生相當不錯的暗部色彩。
10.粉綠、淡紫紅是臉部和人體中間過渡面的調合色。
11.畫很白的女人體，白、土黃、土紅、粉綠、中綠是基本用色，有時需要朱紅。
12.室內頭像高光——白加象牙黑，少量土黃。
13.要學會運用象牙黑。暗部、亮部、中間色調都可用，往往同白色一樣重要。
14.顏色粉，往往問題產生在暗部，暗部不透明，畫粉了，整個畫面就會太粉。
15.如何能把寫生對象之色彩畫得更加好看?在同一物體的同一色彩中還會有冷暖的變化，不會絕對均勻，肯定有偏藍紫或偏黃綠等色，如果對色彩敏感，是可以感覺得到的。因此在每一局部色塊中，都應有所選擇，把最美的色彩傾向擴大為整體的色彩。如果每一局部色塊都有所取舍和提高，整體的色彩感就比真實的色彩更加完美。要養成會找好看色彩的傾向。
16.如何形成色調?首先要肯定色調總的傾向，然后在調色上加以處理。例如金黃色的秋天，總傾向是偏黃色的調子——以中黃為基色。就可在暗部、亮部、天、地、樹等一切色塊中，成分不同地調入中黃。
17.要大面積色彩調合，小面積色彩對比。
18.可以適當把冷色加暖，暖色變冷，色彩會更加好看，如冷紅、暖灰。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇二十
進行油畫寫生需要一個循序漸進的過程。我們不可能要求一個初學者一開始就去描繪那些構成非常復雜的物象、全身人像甚至雙人體。下面是由小編為大家分享油畫初學者掌握作畫步驟技巧，歡迎大家參考學習。
靜物畫是我們平時一種最簡單基本的畫種，也是一個初學者必須經歷的一項造型過程，它的簡單同時也有它趣味，我們不能以簡單的物體來衡量其藝術價值，它同樣有著與其他畫種一樣的藝術價值。如果我們僅僅將它作為油畫學習時的一門基礎訓練課程，那我們就只要去觀察其形態的靜止性、光線的固定性和色彩關系就可以組合成一幅完整的油畫作品，都可以使初學者在寫生練習時對其進行反復的觀察和研究，因而這種方法是顯而易見的，同時也是任何其他練習所不可取代的。在我們平時完成一幅油畫靜物練習應從如下幾個方面著手，那就是靜物設置、構思構圖取舍、組織色調、細部刻畫、整體調整來進行。
(一)靜物設置
靜物設置實際上是包含著很深的學問，并非那么簡單。當我們平時欣賞一幅優秀的靜物畫時，可聯想到作品畫幅作者的藝術追求，其實這是作者在作畫前的藝術構思，作者的心里早有了畫的設置。我們作畫的時候能否設置好靜物往往是這幅作品最終能否成功的先決條件。不過對于初學者來說應該選用那些形體相對簡單、色彩豐富而又比較明確的物體來進行練習，不能專找那些過于細碎凌亂的東西來做練習。首先只要去抓住靜物的大體色塊，有基礎的就可以慢慢的去單個的進行塑造，為把握整體畫面打基礎。
靜物設置的時候還要注意的是光線照射角度，對于初學者來說，一般最好選擇正面受光或3/4受光的角度。只有在這個有光線角度，對物體的各種色相呈現得最為明確。靜物設置時也應注意不同色相物體的色彩對比、冷暖關系、色塊面積的大小關系，以及分布的疏密聚散關系，還應選用多種不同形狀和顏色的物體，包括襯布去進行各種不同的嘗試。
(二)構圖取舍
以繪畫的觀點，組合一幅好的畫那是具備諸多要素的，首先第一步應該是在構圖處理，也就是畫面的點、線、面和黑、白、灰的結構關系。注意生活節奏和趣味。。
在一組靜物中要注意突出主體和畫面的變化統一，初學者一般是選擇比較簡單的物件來進行練習，在一幅畫中間有相同的物體但在造型上要有所變化。如果主體物是一個呈上升感覺的物體，那么參與組合的其他物件最好是選用呈橫向趨勢的盤子或水果之類的東西以使其相輔相成。做到畫面橫與豎、寬與長、靜與動、疏與密等等，一切物體對立的因素都可能成為我們設置靜物的依據。我們在設置的時候也可以借鑒歷代大師成功的范例，可以根據范畫去設置造型因素基本類似的靜物組合，并分析大師們的畫是如何從這些平凡的物件中去生華那種不可言狀的靈感，我們可以通過這種方法，也許是一條捷徑。
(三)組織色調
解決好基本的構圖關系，下一步的工作就是處理畫面的色彩問題。
(1)畫小色稿用油畫顏料在小幅油畫紙上迅速地畫出靜物的色彩關系，只要求抓住大的色調關系就行了，不需過多地細節刻畫處理。
(2)把握色調用較大的油畫筆蘸著經油稀釋的油畫顏料，像畫水彩一樣薄薄的在畫布上畫出靜物大體的色彩關系，由于前面已經在畫布上解決了畫面的素描結構問題，因此，這時不必過分拘泥于物體的外形。畫大色調的時候應從暗部和大面積的顏色入手。
(四)細部刻畫
我們首先解決好了物體大的色彩關系，我們可以在這基礎上用比較厚稠的顏色按部就班地對畫面進行逐步深入的刻畫處理。在深入刻畫時一定要注意的`是要有計劃、有步驟地進行，像前面所說的那樣，假如當天沒有把畫畫完的地方要用畫刀將多的顏色刮去，下次可以接著畫。比如暗部的顏色最好是一次畫到位，以免把畫面畫灰，同時還要把握好色調、空間關系，最后再來單個的進行刻畫。
(五)整體調整
由于我們在深入刻畫的時候是用局部的方法來進行的，像這種互不連貫的作畫過程難免出現畫面色調不統一，甚至畫面出現灰、花和各種的情況。在這種情況下只有以加強或削弱畫面的方法來進行整體調整。尤其是主體物，假如是孤立的存在，與畫面其他的物體不相和的話，就必須加強主體，做到畫面統一，這樣我們才算是完成了一幅作品。
風景畫是我們人類追求回歸自然的一個精神家園，一幅好的風景畫作品往往寄托著人類對自己所生活的那個空間的依戀和對真、善、美的無限情思。風景寫生與靜物寫生的方法大不相同。靜物寫生是呆板的，風景寫生的景物錯綜復雜，難以處理，還有動景的人和其他的東西，這就要自己學會去處理大自然中的各種現象，從中間抽取景物來做畫，做到景意結合，畫出好的風景畫。
我們進行風景寫生時應當特別注意如下幾個方面：
1.立意進行風景寫生時應首先有一個明確的立意，也就是營造出一種意境，后面將要進行的如色調、造型、用筆和強弱處理都是圍繞著首先這個立意而進行的。其實這樣我們可以借用景色來抒發自己的情感，達到一個比較好意境。
2.色調把握好色調是畫好一幅風景寫生的關鍵。在我們畫的時候我們還要認真分析景物的色彩變化，同時還有陽光和陰雨天的變化，我們一定要將大自然的萬紫千紅的色彩納入畫面之中。
3.層次空間在我們進行風景寫生的時候應特別注意的是畫面的層次和空間關系。一般是遠、中、近三景，主體景物往往是處于中景的位置上，而近景多作粗略的處理。
4.細節刻畫風景寫生時對于細節的刻畫是很難把握的，要做到適可而止。因為戶外寫生時的時間有限，所以我們只需畫出物體的基本造型和色調就可以了，主要是體會那種用筆的意趣。
5.陽光作業陽光作業是風景寫生中最多，最好把握的一種色調，由于陽光照射的角度變化特別大，色調和空間關系最容易抓住，在很短的時間里就可以畫完。
人物寫生在我們繪畫之中是最難的一種畫種，也是世界各民族進行藝術表現的一個主題。油畫對表現人的音容笑貌、人們的社會活動和揭示人的精神世界的各個方面都具有獨特的功能。
頭像寫生畫人難畫首，人的頭部是表現人的社會屬性和傳達內心情感的最為重要的關鍵部位。畫人的首要條件是先要了解頭部的結構和肌肉的走向，結合前面所學到的知識來進行對頭像的表現。
我們可以從如下幾個方面來組織和進行一幅人物頭像的練習。
1、挑選模特要找那些個性特征比較突出的模特兒，很容易抓住特征和形象，那些長的很漂亮的女孩子就不適宜來進行藝術表現，當然造型要美，這里的美是美學上的美。
2、設置對象模特兒角度的設置、色調的把握和服飾的關系要看做一個整體，同時還要處理好模特的頭、頸、肩的關系，以使畫面生動，不致顯得板滯。
3、畫面構成在畫之前首先要認真研究這個形象在畫面上所處的角度和位置，還有就是怎樣在構圖上產生重大突破，使畫面生動美觀。
4、起稿上色油畫人物頭像的基本方法和畫靜物大致相同，也是先用單色(褐色、黑色、群青)在畫布上勾畫出對象的大致結構、比例和運動關系。再來用厚一點的顏色鋪頭像，在鋪油畫人物頭像的大體色時，應從大塊面的深重顏色開始，然后將整個頭像的灰部、亮部、膚色、服飾作為一個整體來畫，不要局部的去畫，抓住色彩關系。千萬不能過早刻畫細節，一定要時時刻刻注意整體。
5、深入刻畫當整個畫面的色調關系畫的差不多了的時候，我們就可以開始深入地刻畫細節。對于頭部的各部分，其眼、耳、口、鼻、額、腮的處理不可以一視同仁，也要突出重點，把頭像立起來。鼻子是整個臉部最為突出的部分，表現的時候要把體積感加強，并要作出相應的細節描繪。每一次在一遍色層上進行深入刻畫時，做到色彩豐富，這樣表現出來的東西才顯得豐富生動。
6、整體調整與畫靜物的情況相似，經過刻畫完成的油畫人物頭像作業有可能達不到你所要的效果，這樣我們只有來進行整體調整，同樣是要把握整體色調、結構關系、各部位的形體變化和色彩的強弱對比，達到自己理想的效果為止。
后面的油畫半身像(全身像)和前面頭像的步驟是一樣的，難度大的是結構，還有全身比例的把握，主體頭、手、腳的把握。畫人物的半身像還要結合廣闊的社會生活背景，獨特的構思和思想內涵來完成。在服飾上可以做一點的文章，為寫生作業提供一個良好的創意基礎。
全身人像和半身像的基本畫法幾乎是相同的，在當我們能夠比較順利和得心應手地完成一幅半身人像作業的時候，也就具備了來完成全身人像的表現能力。
還要多注意人的下肢與腳部的表現和處理，為以后的人物創作打下結實的基礎。
學油畫心得與技巧（精選21篇）篇二十一
隨著時間的發展油畫逐漸生活化，其中最著名的就是《蒙娜麗莎》表現的一個普通婦女并廣為流傳。19世紀后期，由于科技發展，許多新材料應用于油畫領域，如丙烯顏料，油漆等。下面是小編為大家分享油畫顏料調色技巧事項，歡迎大家閱讀瀏覽。
一塊厚玻璃或大理石板、一根碾槌(研桿)、一把調色刀和貯存顏料用的玻璃瓶或空錫管
1.將顏料粉倒在玻璃板上，如果是顏料塊應先壓成碎末粉再慢慢地加入亞麻仁油
2.同時進行圓圈式研磨，并用調色刀調和，直到獲得油畫顏料特有的濃稠度。
必須仔細研磨，消除顆粒，使顏料粉與亞麻仁油充分完美地結合。
1.不同的顏料粉所需要的油量不同，將顏料粉研磨成膏狀即可。
2.盡可能多放色粉，少加油。
一般用生亞麻油來調色粉。干的慢，易于較長時間有用。
如果作畫需要快干，可在顏料粉中加入1：2的達瑪油10%。
1.惟獨白的色彩(特別是鋅白)不能與純油相混，其它所有色素顏料粉均可用生亞麻油調制。
2.白色粉與純油相混后很快會變色，最好用乳液調制，可選用纖維素，干酪素乳液結合劑。這類乳液干的很快，調制好的顏色一定要密封裝好，用多少取多少。
3.對于較粗，有顆粒的顏料可在調油的'同時研磨細。
4.對于鉛管中的油畫顏色，在作畫前可進行吸油處理(如擠在報紙上，使紙吸去顏料中的油)，用時可調medium油性媒介劑。
5.對于色度很強的光色類顏料要適當混合寫添加料，一般可用滑石粉，高岑土之類的材料。
對于覆蓋力強而不透明的顏色也可加入適量的滑石粉，高岑土這種材料只起增加體積而不改變色素的作用，可以減弱光類顏色的強度或使不透明色變成透明色。
6.對于遇水或遇油后漂浮的色素粉可適量加入一點牛膽汁或酒精，可使色素粉有附著力。
7.有滲透性的顏料不可研磨過細，否則泛色。
8.研磨含鉛等有毒性顏料時要預防粉末入鼻。
9.用亞麻仁油研制出來的顏料，只有在底層顏料完全干燥時才能涂覆蓋層，因此絕對不能用極厚涂畫法來作畫，最適合一次性畫法和單色作畫法。
改變這種純油性顏料的缺點：需要在亞麻仁油中加10%樹脂光油與2%溶解于松節油的蠟。
加蠟是為了增加顏料的粘稠度(如果使用罌花油則不必加蠟)，同時既能減輕亞麻仁油變黃，又能防止比重大的顏料與油分離。
10.部分研磨好的顏料存放幾天后可能出現板結現象，需要作進一步研磨。